Enviar su buen trabajo en la base de conocimiento es simple. Utilice el siguiente formulario

Los estudiantes, estudiantes de posgrado, jóvenes científicos que utilizan la base de conocimientos en sus estudios y trabajos le estarán muy agradecidos.

Publicado en http://www.allbest.ru/

Ministerio de Educación y Ciencia de la Federación Rusa

Institución Educativa Presupuestaria del Estado Federal de Educación Profesional Superior

"Universidad Estatal de Tula"

Instituto de Humanidades y Ciencias Sociales

proyecto de curso

disciplina: "Historia del Arte"

sobre el tema: "Arte ruso del siglo XVII: pintura, arquitectura y escultura"

Completado por: estudiante del grupo 820631g 1

Khomyakova A.A.

Comprobado por: Asoc. Departamento "Diseño"

reclamar. S.V. reina

Tula - 2014

1. Arte ruso del siglo XVII.

2. Pintura rusa del siglo XVII.

3. Arquitectura rusa del siglo XVII

4. Escultura

Lista de literatura usada

1. Arte ruso del siglo XVII

El siglo XVII es un punto de inflexión en la historia de Rusia. Este siglo se caracteriza por grandes cambios en todas las esferas de la vida pública. Hubo una fusión real de todas las antiguas tierras rusas en un solo todo, debido al "intercambio creciente entre regiones, el aumento gradual de la circulación de mercancías, la concentración de pequeños mercados locales en un mercado de toda Rusia" (VI Lenin, Soch., vol. 1, pág. 137). evento importante, que tuvo lugar a mediados del siglo XVII, fue la reunificación de los pueblos ruso y ucraniano.

La producción creció en el país, surgieron los requisitos previos para las relaciones capitalistas y se intensificó la explotación de las amplias masas trabajadoras. Rusia se ha convertido en un estado absolutista multinacional con un extenso aparato burocrático de gobierno. Todo esto agravó la lucha de clases. El levantamiento dirigido por Ivan Bolotnikov y la guerra campesina dirigida por Stepan Razin demostraron el poder del pueblo. La protesta contra la tiranía de las autoridades seculares y espirituales dio lugar a diversos movimientos ideológicos, en los que se manifestaba el deseo de acabar con la tutela opresiva de la iglesia y justificar la primacía de la razón y el sentido común sobre los caducos dogmas de la religión.

Fue un proceso complejo y contradictorio, en el que, junto a las tendencias racionalistas, con un llamado a utilizar la rica experiencia de occidente, hubo tendencias conservadoras que se manifestaron con particular fuerza en la “escisión”.

El siglo XVII es un período de choque decisivo de aspiraciones artísticas mutuamente excluyentes. Esta inconsistencia se expresa claramente en la práctica artística. La gestión del arte estaba centralizada, los cambios en ella estaban regulados por las autoridades. Arquitectos, pintores, maestros de otros tipos de arte se concentraron en la Orden de los asuntos de piedra y en la Armería del Kremlin. Este último se convirtió en una especie de escuela donde se unían las mejores fuerzas artísticas. Para todas las tierras rusas, Moscú era una autoridad indiscutible en el campo del arte.

Arroz. Iglesia de Nicolás en Danilov. corte longitudinal

Por otro lado, fue de la Armería de donde vinieron todo tipo de innovaciones, fue en los talleres del Kremlin donde aparecieron obras que anularon la estricta tutela y regulación. Aquí trabajaron maestros ucranianos, bielorrusos, lituanos y armenios, a menudo familiarizados con el arte de Occidente, y artistas extranjeros que se educaron en Europa.

Arroz. Iglesia de la Transfiguración en Kizhi. corte longitudinal

Aquí se desarrollaron las actividades de Simon Ushakov, un importante pintor ruso, que buscaba romper con las tradiciones del arte antiguo. Finalmente, aquí surgió una escuela de grabado ruso, que fue el nexo con el nuevo grabado del siglo siguiente.

La lucha en el arte se intensificó mucho por la influencia de los gustos artísticos populares. Como resultado de la influencia del arte popular, las formas dominantes adquirieron características especiales y fueron objeto de nuevas ideas artísticas.

El contenido religioso del propio arte sufrió cambios importantes. El arte conservó un carácter religioso, pero al mismo tiempo cada vez más imbuido de un comienzo secular. El interés cada vez mayor de los artistas por la vida real impartió a la arquitectura, la pintura y las obras de arte aplicadas las características de un extraordinario amor por la vida.

Una de las características específicas importantes del arte del siglo XVII. es el elemento genuino de la decoración que lo penetra. En un patrón fantásticamente intrincado, se expresa la alegría y un gran interés por el medio ambiente. La decoración se encuentra en todo: en el diseño de edificios, en la planificación de conjuntos monásticos, en la originalidad de las pinturas murales que se asemejan a una alfombra colorida y alegre, en productos de artes aplicadas que sorprenden con la riqueza de la invención y la sofisticación de las decoraciones y adornos A veces, la decoración parece excesiva, pero fue en ella donde las tradiciones del arte popular, su optimismo, su base profundamente vital, recibieron el desarrollo más rico.

El proceso de superación de las formas artísticas medievales, muy dinámico y controvertido, condujo finalmente a la ruptura del sistema tradicional y al surgimiento en Rusia a finales de los siglos XVII y XVIII. arte de la nueva era.

Se ha conservado un número significativo de edificios seculares del siglo XVII. Entre ellos, el primer lugar lo ocupan las torres del Kremlin (1635-1636), construidas por A. Konstantinov, B. Ogurtsov, T. Sharutinii y L. Ushakov. Los interiores de las torres, que dan buena idea de los aposentos de los coros boyardos, son pequeños y acogedores. Sus paredes y bóvedas alguna vez estuvieron cubiertas con una elegante pintura decorativa, ejecutada bajo la dirección de Simon Ushakov. La apariencia general de las torres estuvo influenciada por la arquitectura popular de madera, cuyas formas fueron ampliamente utilizadas en la construcción de palacios de esta época. Prueba de ello es el conjunto complejo y magnífico del palacio real de madera en Kolomenskoye, que constaba de muchos coros de apariencia diferente. Construido en 1667-1668. S. Petrov e I. Mikhailov y parcialmente remodelado en 1681 por S. Dementiev, el Palacio de Kolomna se distinguió por su excepcional pintoresquismo, la riqueza de los acabados decorativos y una extraña variedad de formas arquitectónicas.

La diferencia de tendencias en la arquitectura secular del siglo XVII se caracteriza claramente por los edificios de piedra: las cámaras de Po-gankin en Pskov (mediados del siglo XVII y la casa de VV Golitsyn en Moscú (circa 1687). Las cámaras de Pskov se distinguen por un gran sentido de la plasticidad de los pesados ​​volúmenes arquitectónicos de cualquier decoración decorativa, cercana a la arquitectura local del período temprano, caracterizan las tendencias arcaicas en la arquitectura del siglo.Por el contrario, la casa Golitsyn pertenece enteramente al siglo XVII. Aparecieron características completamente nuevas en su arquitectura: estricta simetría, un número de pisos claramente definido, claridad y orden en la ubicación de la decoración. Los grandes ventanales de la fachada principal, adornados con elegantes arquitrabes, le dieron imponente y esplendor. El "Krutitsky Teremok " en Moscú (1694; construido bajo la dirección de O. Startsev) (il. 145) también se distingue por el refinamiento de sus formas (il. 145). Esta es una verdadera obra maestra de la arquitectura decorativa , colorida y pintoresca en su colorido decoración de azulejos.

El carácter elegante de la arquitectura secular del siglo XVII. tenía analogías en la construcción del templo. Los guardianes de los dogmas de la iglesia prohibieron la construcción de iglesias de carpas y exigieron cinco cúpulas. Pero los arquitectos del siglo XVII. encontró formas de utilizar ricamente y de una manera nueva las formas eclesiásticas canonizadas. Con la mayor certeza aparecen novedades en los monumentos de mediados y segunda mitad del siglo. Un vívido ejemplo es la Iglesia de la Natividad en Putinki en Moscú (1649-1652) (fig. en la página 174). Cinco tiendas que lo coronan forman una composición compleja y pintoresca. Característicamente, las cuatro tiendas son puramente decorativas. El momento decorativo en la apariencia del templo se refleja en la rica decoración de los marcos de las ventanas, en la abundancia de arcos escalonados y varias decoraciones de complejas terminaciones de tiendas de campaña. Parecida a un juguete terminado con el cuidado de la joyería, la Iglesia Putinkovskaya es la mejor manera de caracterizar los gustos caprichosos de su época.

A mediados de siglo, se construyeron muchas iglesias siguiendo el modelo de la iglesia Posad Putinkovskaya. Sin embargo, en cada caso, los arquitectos pudieron darle al templo tal originalidad que es difícil encontrar edificios absolutamente similares: la Iglesia de San Nicolás en Bersenevka (1656) es diferente a la Iglesia de la Trinidad en Nikitniki (1628-1653). ) (il. III), y ambos son decisivamente diferentes en silueta, y el carácter general del templo de Putinkovsky.

A mediados y segunda mitad del siglo XVII se erigieron numerosas iglesias en provincias. Se han conservado iglesias muy interesantes y originales en Kostroma, Murom, Ryazan, Veliky Ustyug, Gorky, Saratov, Uglich, Suzdal y muchas otras ciudades. A veces, las tradiciones de la arquitectura del siglo XVI están vivas en ellos, pero en general, las nuevas ideas artísticas se refractan de manera muy diferente.

Entre los conjuntos arquitectónicos del siglo XVII. un lugar especial pertenece al Kremlin de Rostov el Grande (1670-1683). Su constructor fue el metropolitano Iona Sysoevich de Rostov. Le dio a su residencia la apariencia de una fortaleza con altos muros y torres macizas. Los arquitectos tuvieron perfectamente en cuenta la naturaleza puramente decorativa del Rostov Kremlin. Cortaron las torres con ventanas con arquitrabes característicos de la época y las cubrieron con cúpulas de cebolla, y lo más importante, conectaron las torres con iglesias, haciendo que estas últimas sobre las puertas. El centro del Kremlin no está edificado; había un jardín con un estanque en el medio. Las cámaras principales del metropolitano con la famosa Cámara Blanca y la iglesia de la casa contigua del Salvador en el Senya se mueven hacia el sur y también se comunican con la muralla de la fortaleza. Así, el metropolitano podía, sin bajar a tierra, recorrer todas sus cámaras y visitar todas las iglesias. Es característico que la catedral central de la ciudad, la Asunción (erigida en el siglo XVI), esté ubicada fuera de los muros del Kremlin, y esto le da aún más a este último la apariencia no de una ciudadela de la ciudad, sino de una residencia privada. Ubicado a orillas del lago Nero, el Rostov Kremlin, como muchos otros conjuntos del siglo XVII, se distingue por su gran pintoresquismo. A pesar de la altura de las murallas y de las imponentes torres blancas, no parece dura.

En el siglo XVII, Yaroslavl se convirtió en uno de los centros artísticos importantes, una rica ciudad comercial que atrajo a constructores de primera clase. Aquí se desarrolló un tipo de iglesia de municipio. Entre Iglesias de Yaroslavl destacan las iglesias de Elías el Profeta (1647-1650) y Juan Crisóstomo en Korovniki (1649-1654).

La Iglesia de Elijah the Prophet fue el principal templo de la ciudad de Yaroslavl y determinó en gran medida el carácter y el rostro de la arquitectura de Yaroslavl. A diferencia de muchos edificios del siglo XVII. al igual que otras iglesias de Yaroslavl, causa una impresión impresionante. Este 0 indica que la arquitectura rusa, incluso en el período inmediatamente anterior a la nueva era, no había perdido por completo su grandeza y monumentalidad.

La característica más importante de la Iglesia de Elías el Profeta es el pintoresquismo, reflejado en la asimetría de la planta y la disposición libre de los volúmenes principales. Dos elegantes pórticos conducen a un pórtico cerrado, que rodea la iglesia desde el norte y el oeste. En la esquina suroeste hay una capilla rematada con una carpa alta, que contrasta con las cinco cúpulas de la iglesia y se hace eco de la carpa ornamentada del campanario separado atravesado por ventanas abuhardilladas.

Arroz. Iglesia de San Juan Crisóstomo en Korovniki en Yaroslavl. fachada oeste

La Iglesia de San Juan Crisóstomo (imagen de la página 176) es un desarrollo posterior de las ideas arquitectónicas de la Iglesia de Elías el Profeta. Las características de la arquitectura de Yaroslavl aparecen aquí en su pureza clásica. La combinación de varias formas arquitectónicas es más consistente y estricta, pero de ninguna manera priva a todo el conjunto de riqueza decorativa, pintoresquismo y fabulosidad intrincada. El creador del templo es igual de generoso, pero más sutil que el constructor de la iglesia de Elías el Profeta, contrastes y comparaciones. La Iglesia de San Juan Crisóstomo tiene una planta estrictamente simétrica. Su volumen principal con cinco cúpulas se complementa con dos naves laterales rematadas por tiendas de campaña. Son adyacentes a los ábsides sur y norte. Un pórtico cerrado rodea la iglesia por tres lados, y tres pórticos ricamente decorados conducen a él, desde el norte, el oeste y el sur. El carácter pintoresco de todo el conjunto se ve realzado por el alto campanario tradicional de la arquitectura de Yaroslavl. La parte inferior de su octágono está desprovista de decoraciones, pero la parte superior, una arcada y una carpa con tres filas de buhardillas, está ricamente decorada con patrones de ladrillo, nichos, kokoshniks y arquitrabes de perfiles complejos. Los detalles decorativos hacen eco de las lujosas decoraciones de las ventanas de la propia iglesia, y especialmente de los arquitrabes de la ventana del ábside central, adornados con azulejos de colores.

A finales de siglo, aparecieron en la arquitectura de los templos rasgos que prepararon la arquitectura del nuevo tiempo. Los constructores abandonaron el patrón y buscaron introducir elementos de estricta lógica y consistencia en sus estructuras. Los planos de los templos se hicieron más simples y la composición de los volúmenes más clara; se observó estrictamente el principio de estricta simetría y división escalonada.

Las novedades, que anticipan la arquitectura de finales del siglo XVII, se destacan claramente en el grandioso templo del Monasterio de la Nueva Jerusalén (1656-1685), donde el edificio principal estaba cubierto por una enorme carpa atravesada por numerosas ventanas.

Las nuevas características fueron especialmente fuertes y brillantes en varias iglesias construidas cerca de Moscú a expensas de los familiares de la esposa del zar Alexei Mikhailovich, los Naryshkins. En las iglesias "Naryshkin", se intensifican las tendencias seculares. Algunas características esenciales de estas estructuras (dinamismo, rechazo al aislamiento de los volúmenes, conexión viva con el espacio circundante) nos permiten establecer analogías con la arquitectura barroca contemporánea. Europa Oriental.

Arroz. Iglesia de la Intercesión en Fili. Plan

Un magnífico monumento del estilo "Naryshkin" es la Iglesia de la Intercesión en Fili (1690-1693), que se distingue por el carácter abierto de la composición (il. 142 a, dibujo de la p. 177). La conexión libre del edificio con el espacio circundante se enfatiza no solo por la abundancia de amplios ventanales, sino también por la solución original de la parte inferior de la iglesia: en el nivel del segundo piso hay una galería abierta, a la que conducen tres amplios tramos de escaleras. El templo de Fili, sin pilares y de varios niveles, está cubierto con una cúpula bulbosa característica. Las cúpulas también coronan los semicírculos del cuadrilátero inferior, dando a la iglesia un gran efecto decorativo. La estructura de varios niveles contribuye al dinamismo, pero el crecimiento gradual, la aspiración hacia arriba, se ve retrasado por las "vieiras" decorativas que adornan cada nivel. A pesar de las decoraciones de piedra blanca que contrastan con las paredes de ladrillo rojo, la iglesia tiene una gran claridad estructural. Decisivo en él es el ritmo vertical, subrayado por columnas blancas ubicadas en los bordes del cuadrángulo y el octágono, en los cuellos esbeltos de las cúpulas, en los arquitrabes de las ventanas.

Un ejemplo notable del estilo "Naryshkin" es la Iglesia del Salvador en el pueblo de Ubory (1697, arquitecto Y. Bukhvostov), ​​bellamente ubicada en la orilla alta del río Moskva, la Iglesia de la Natividad en Gorky (1718) , el campanario del convento de Novodevichy en Moscú (il. 143).

Mayor desarrollo nuevo tipo templo céntrico recibido en la Iglesia del Signo en Dubrovitsy (1690-1704), afirmando con mayor fuerza aún el rechazo a los principios de la arquitectura de la Antigua Rusia y el triunfo de nuevos ideales estéticos.

Junto con los templos "Naryshkin", un lugar importante en la arquitectura rusa de finales del siglo XVII. ocupan grandiosas catedrales en algunas ciudades de provincia. Como si siguieran las tradicionales cinco cúpulas de las antiguas iglesias rusas, rompieron definitivamente con tradiciones centenarias. Su fachada tenía un número de plantas claramente definido, los vanos no se diferenciaban de las ventanas de los edificios seculares, las cúpulas adquirían un significado puramente decorativo. Tal, por ejemplo, es la majestuosa Catedral de la Asunción en Ryazan (1693-1699, constructor Y. Bukhvostov).

En pintura, ya en las primeras décadas del siglo XVII, aparecieron nuevas tendencias. Esto se evidencia en un grupo de íconos de la llamada "pintura Stroganov", llamada así por los ricos comerciantes Stroganovs, que se establecieron en la segunda mitad del siglo XVI. en Solvychegodsk. Los Stroganov eran apasionados admiradores de la pintura de iconos y unieron a los artesanos talentosos a su alrededor: los creadores de pequeños iconos destinados a las capillas domésticas. Prokopy Chirin, Istoma Savin, Nikifor Savin se destacan entre estos maestros.

Los íconos de Stroganov están meticulosamente terminados. Con amor y diligencia, los artistas escribieron los detalles más pequeños, tratando de cautivar al espectador con una historia simple pero detallada llena de detalles. En el ícono de Nikifor Savin "El milagro de Fyodor Tiron" (principios del siglo XVII), se combinan varios episodios en un pequeño campo. Aquí está la corte real, viendo el combate singular del guerrero santo con el monstruo que cautivó a la princesa, y rezando para que Tyrone envíe la victoria, y su batalla con el dragón, y la escena lírica de la liberación de la princesa del cautiverio. por el joven caballero. Todo esto está lleno de entretenimiento. "Sagrado", en esencia, sigue siendo solo la trama, que se viste en forma de un fascinante cuento de hadas.

Bajo el pincel de los maestros Stroganov, las figuras se vuelven frágiles, ya completamente desprovistas de la fuerza interior y el significado ético inherentes a las imágenes de la pintura de iconos de los siglos XIV y XV. En el ícono "St. Nikita" (1593) de Procopius Chirin, el guerrero santo, vestido con una camisa roja, una armadura dorada y una capa azul brillante, se distingue por su gracia refinada. El artista prestó especial atención a la sofisticación de las combinaciones de colores, al cuidado acabado de los detalles de la ropa y al dibujo en miniatura del rostro y las manos.

Sobre la naturaleza de la pintura de iconos en la segunda mitad del siglo XVI. da una idea del ícono "Simeón el Estilita" (il. 140). Con amor y la mayor atención, el artista escribe numerosos detalles: arquitectura en miniatura, vasijas, detalles de la ropa del santo, árboles fantásticos.

Las tendencias establecidas en el arte de los maestros Stroganov continuaron desarrollándose a mediados del siglo XVII. La técnica de la miniatura penetraba en las imágenes de gran tamaño. En el ícono "Juan en el desierto" (20-ZO-s), casi toda la altura del tablero representa a un ermitaño delgado y demacrado vestido con pieles de animales. El fondo de la figura del asceta es un paisaje pintado con sumo cuidado. El artista representó toboganes tradicionales, un río serpenteando como una cinta y árboles cubiertos de carmesí otoñal, y todo tipo de flores y hierbas. Obviamente, no pudo resistir el deseo de capturar el mundo real, lo que excitó su imaginación.

Artistas del siglo XVII pensó en reevaluar los principios que subyacen en la pintura rusa antigua. El más importante en este sentido fue el trabajo del pintor de iconos reales Simon Ushakov y su amigo Joseph Vladimirov. Intentaron formular y fundamentar nuevos ideales estéticos en sus escritos literarios representando los primeros tratados en Rusia sobre temas de arte. En primer lugar, Simon Ushakov e Iosif Vladimirov estaban interesados ​​​​en el tema de la forma artística y llegaron a la conclusión de que la forma convencional de la pintura rusa de iconos no puede transmitir toda la riqueza del mundo circundante. Simon Ushakov quería que la pintura tuviera la propiedad de un espejo y, por lo tanto, trató favorablemente el trabajo realista de los artistas occidentales contemporáneos; quienes "representan todo tipo de cosas y seres en sus rostros y parecen retratar a los vivos". Consideró necesario trasladar las técnicas de la pintura realista al arte de la iglesia, argumentando que la gente quiere ver tanto a Dios como a los santos como "personas reales", es decir, representados con verdad.

En la práctica creativa, Simon Ushakov fue mucho menos consistente que en el razonamiento teórico. Un ejemplo es su ícono "El Salvador no hecho a mano", una de las composiciones favoritas del maestro. El producto et 0 es autocontradictorio. Rechazando la planitud de la vieja pintura de íconos, Ushakov no pudo superar su convencionalismo. Es cierto que trató de hacer que la forma fuera tridimensional y modeló cuidadosamente el rostro de Cristo, pero el modelado sigue siendo muy aproximado, detrás de él no hay un sentido de conocimiento de la anatomía.

De una forma mucho más brillante y efectiva, el deseo de deshacerse de los cánones de la pintura de iconos tuvo un efecto cuando los artistas retrataron a sus contemporáneos. En el siglo XVII, especialmente hacia el final del siglo, se generalizó la llamada parsuna, la imagen de una determinada persona, "persona". Aquí hubo una desviación más decisiva del antiguo arte ruso que en el ícono y se manifestaron aspiraciones realistas.

A finales del siglo XVII Se crearon muchos parsuns (retratos del mayordomo V. Lyutkin, L. Naryshkin), anticipando el retrato del siglo XVIII. Cabe señalar que el arte del retrato en general ocupaba mucho a los artistas. Esto, en particular, se evidencia en el llamado "Titular", un manuscrito con imágenes de los zares rusos (1672).

Del siglo XVII, especialmente de su último tercio, conserva un gran número de murales. Los ciclos de frescos de las iglesias de Rostov y Yaroslavl están bien conservados.

La diferencia decisiva entre las pinturas del siglo XVII. de los ciclos de frescos de épocas anteriores, afecta principalmente a la expansión de la gama de temas. Además de las escenas bíblicas y evangélicas tradicionales, ahora se encuentran en abundancia historias de numerosos ciclos hagiográficos, motivos del Apocalipsis e ingeniosas ilustraciones de varias parábolas. Muchos de ellos por primera vez se convierten en el tema de la imagen, lo que abre nuevas oportunidades para que los artistas resuelvan creativamente, sin mirar hacia atrás a los "originales", varios problemas artísticos. El mundo real penetró cada vez con más persistencia en la pintura religiosa. Los maestros recurren cada vez más a la observación directa de la vida, disponen las figuras con mayor libertad, introducen en las composiciones diversos elementos domésticos, el interior donde actúan los personajes; la gesticulación se hizo más vitalmente veraz, etc. Las escenas evangélicas tradicionales se complicaron con detalles cotidianos, la escena de acción se concretó.

La impresión más importante que dejan los murales de finales del siglo XVII es la impresión de movimiento, de energía interna; la gente gesticula, los caballos corren, las nubes se arremolinan, las llamas se retuercen, las murallas de la ciudad se derrumban. Un caleidoscopio de eventos, una abundancia de personajes, numerosos detalles a menudo dificultan la comprensión del significado de lo representado. Los colores azul, verde y amarillo brillantes de los murales privan incluso a las historias trágicas de su carácter aterrador. La abundancia de diversas composiciones supuso una disminución de su tamaño. Una variedad de escenas se suceden una tras otra continuamente, dispuestas en cintas a lo largo de las paredes y bóvedas de los templos. Desde la distancia, la pintura da la impresión de una alfombra florida, lo que habla de la conocida trituración y rechazo de los altos principios de la antigua pintura monumental rusa.

Es cierto que en las pinturas de Rostov aún se conservaba el dominio de una línea flexible y expresiva. En la Iglesia del Salvador en Senya, están representados los diáconos con vestiduras festivas. Sus siluetas son expresivas, sus movimientos medidos e importantes, pero incluso aquí el artista rindió homenaje a la época: las prendas de brocado están decoradas con intrincados adornos florales y geométricos.

En los murales de las iglesias de Yaroslavl de Ilya the Prophet (1680, ejecutado bajo la dirección de los maestros de Moscú G. Nikitin y S. Savin) y John the Baptist (1694-1695, ejecutado bajo la dirección de D. Plekhanov), los artistas no prestó atención a la armonía de las siluetas, a la sofisticación de las líneas. Estaban absortos en la acción que se desarrolla en numerosas escenas. La tradicional "Trinidad" adquirió un carácter puramente de género bajo su pincel. Experiencias internas, la profundidad de expresión de los sentimientos desapareció. Abraham de rodillas y tres ángeles están hablando apasionadamente sobre algo. Los ángeles están gesticulando, uno de ellos está de pie con la mano levantada, el otro está claramente a punto de levantarse: el gesto de su mano apoyada en la mesa es tan natural. Sarah no se inclina ante los viajeros que visitan su hogar; apoyada en la puerta, escucha con interés la animada conversación.

El artista de Yaroslavl también se aventuró en lo que habría parecido en el siglo XVI. blasfemia. En la escena "La tentación de José" se muestra semidesnuda a la esposa del faraón.

Basta mirar la figura masculina para comprender la naturaleza y la originalidad de los frescos de Yaroslavl. El artista llama la atención en primer lugar sobre el atuendo fantástico, dándole un esplendor extraordinario, escribe cuidadosamente el adorno en la ropa y la vaina del sable.

Es importante señalar que la Biblia Piscator publicada en Holanda sirvió como fuente para muchas tramas de los murales de Yaroslavl, que atrajeron a los artistas rusos con su entretenida interpretación de muchos eventos de la "Historia Sagrada", detalles fascinantes y su carácter secular.

Por supuesto, los frescos de finales del siglo XVII. no pueden ser considerados innovadores los que han hecho una revalorización decisiva de todos los valores. Su arte sigue siendo muy condicional tanto en forma como en contenido, pero muestra que la pintura rusa antigua ha llegado al punto en que el nuevo contenido ya no encaja en las antiguas formas tradicionales de pintura de iconos.

En la cultura artística del siglo XVII se desarrollaron condiciones excepcionalmente favorables para el desarrollo del ornamento. Las paredes de los templos, los monasterios del refectorio y los edificios civiles estaban vestidos con un rico atuendo festivo, estaban cubiertos con un intrincado patrón de ladrillos, piedra blanca y azulejos multicolores. El ornamento comenzó a discutir con las imágenes sagradas en los murales de las iglesias y ocupó una posición preponderante en la decoración de los interiores de los edificios civiles. Los utensilios de la iglesia y los artículos para el hogar a menudo estaban completamente cubiertos con patrones. Salarios de oro y plata, ricamente decorados con piedras preciosas, cubrían ahora las imágenes de los santos, dejando sólo los rostros abiertos. También se utilizaron piedras preciosas, perlas, oro en la fabricación de platos y ropas ceremoniales. Las obras de arte aplicadas ricamente ornamentadas y coloridas de los países orientales, especialmente las telas, alfombras y armas turcas e iraníes, disfrutaron de un gran éxito en ese momento en Rusia. El interés de larga data en los productos de arte oriental se ha intensificado nuevamente debido al crecimiento de las tendencias decorativas, en consonancia con la creatividad de los pueblos de Oriente.

En el siglo XVII, casi todos los tipos de artesanías y joyas rusas se estaban desarrollando rápidamente (il. 146, 147). Los talladores de madera y metal crearon iconostasios, pabellones, íconos y cruces, sorprendentes por la riqueza de su invención y la sutileza de su artesanía; su trabajo fue muy utilizado en la decoración de interiores. Los cazadores hicieron maravillosos utensilios de metal y marcos para íconos. Los bordadores compitieron con los maestros de Italia, Francia, Turquía e Irán. El negocio del esmalte experimentó un verdadero renacimiento. La técnica de la filigrana ha vuelto a ser ampliamente utilizada en el arte de la joyería.

Sin embargo, a diferencia de las obras de artes aplicadas del siglo XV, donde el ornamento no contradecía la tectónica del objeto e incluso la enfatizaba, en el siglo XVII se pierde esta conexión y subordinación. El adorno aquí es solo decoración; el maestro, cubriendo, por ejemplo, el cáliz con esmalte, piedras preciosas, imágenes, esencia, no presta atención al diseño de la vasija; su superficie parece ser solo un campo donde el maestro puede mostrar su maravilloso don decorativo.

Para apreciar el arte decorativo y aplicado de Rusia en el siglo XVII, es necesario sentir la vida de los objetos individuales en el interior de esa época, para presentarlos en un entorno determinado.

A partir del siglo XVI, la austeridad y moderación características de los interiores de siglos anteriores dieron paso gradualmente a la pompa y el esplendor decorativo, que alcanzó en el siglo XVII. su apogeo. Con pinturas coloridas y alegres, se combinaron brillantes salarios de oro y plata de íconos. Un jugoso adorno floral, que reemplazó al abstracto, cubría el iconostasio dorado; En el contexto de su patrón dorado, los íconos a menudo se perdían, especialmente cuando se colocaban inmediatamente telas decoradas con bordados dorados y ricamente adornadas con perlas. El esplendor y esplendor del interior se correspondía con las túnicas de brocado de los sacerdotes. Las mitras de obispos y patriarcas fueron un milagro del arte de la joyería.

El interior de los edificios civiles era un conjunto decorativo igual de colorido y rico. Los apartamentos del Palacio Terem del Kremlin de Moscú dan una idea de su carácter. Están ricamente decorados con pintura decorativa. Flores y hierbas se arrastran por los muros, cubren las bóvedas, se repiten en las finas tallas de antepechos y puertas, y en los brillantes azulejos de las estufas. Los muebles y artículos para el hogar están cubiertos con patrones intrincados.

Lo que se ha dicho, por supuesto, no se aplica a la vida de todos los sectores de la sociedad rusa. Cabe recordar que solo las torres de la nobleza y el rey diferían en una decoración rica y magnífica. La gran mayoría de los rusos de esa época se vieron privados de la oportunidad de utilizar objetos valiosos que ahora adornan los museos. De una forma u otra, el arte entró en la vida de la gente común. Además, fue el arte popular el que fertilizó el arte aplicado, fue el que sirvió como fuente de la que los maestros extrajeron los motivos, quienes crearon lujosas vestimentas principescas y sacerdotales, marcos de iconos que brillaban con piedras preciosas, vasijas llamativas en esplendor. A veces esta conexión es especialmente clara. Al mirar el cucharón de oro del zar Mikhail Fedorovich (1618, Armería), decorado con piedras preciosas, perlas, niello, uno recuerda involuntariamente los cucharones de madera de los campesinos, cuya forma no ha cambiado durante muchos siglos.

El crecimiento del principio decorativo introdujo características nuevas y positivas en el arte del siglo XVII, pero, al convertirse en un principio autosuficiente, la decoratividad redujo el alto significado ético de la pintura y la importancia de la imagen arquitectónica en la arquitectura de la iglesia. El nuevo contenido secular, que invadió cada vez más decisivamente el antiguo arte ruso, requirió una revisión radical de todo el sistema artístico, dictó la necesidad de emprender firmemente el camino del realismo.

Una característica notable del arte ruso antiguo a lo largo de su desarrollo fue su humanidad, la profundidad de la revelación de altos ideales morales. En la masculinidad y fuerza del fresco de Novgorod, en la penetración y calidez de los santos de Rublev, en la pasión de los ermitaños de Teófano el griego, en la monumentalidad y grandeza de las antiguas catedrales, en el gozoso diseño del siglo XVII, uno puede sentir el espíritu vivo de la gente en todas partes, el sueño del pueblo ruso sobre la armonía del mundo y el hombre. El arte ruso antiguo es una de las partes esenciales de la cultura artística medieval global.

2. Pintura rusa del siglo XVII.

Históricamente, el siglo XVII en Rusia se caracteriza por la expansión y profundización de los lazos políticos y culturales con países vecinos y lejanos. Esta circunstancia contribuye al fortalecimiento de la influencia de la vida cultural de los países de Europa occidental en el arte ruso y, en particular, en la pintura rusa del siglo XVII. También debe tenerse en cuenta una característica tan importante de la vida artística de Rusia de este período como la centralización de la gestión de la cultura artística. Los mejores arquitectos, pintores, maestros de otros tipos de arte estaban en la Orden de los Asuntos de la Piedra y la Armería del Kremlin. Por lo tanto, el desarrollo de la cultura rusa se gestionó de forma centralizada. La Armería desempeñó el papel de una especie de escuela, donde los mejores artesanos eran varios tipos arte, incluida la pintura del siglo XVII. Para todas las tierras del estado ruso, Moscú se convirtió en una especie de centro que determinó la dirección del desarrollo del arte ruso. Naturalmente, esto no excluyó el desarrollo de escuelas de arte en las regiones que aún se adherían a las normas del arte antiguo. La Armería se convirtió en una fuente de innovación en el arte, donde se crearon obras que atestiguan la superación de los cánones antiguos. Cabe señalar que no solo los maestros rusos trabajaron en la Armería, sino también artistas extranjeros que se educaron en Europa.

Entre los artistas rusos, cabe destacar a Simon Ushakov e Iosif Vladimirov, quienes, siguiendo la tendencia general europea, buscaron superar los cánones y principios del arte medieval. Iosif Vladimirov en su obra "Tratado sobre el arte" proporciona una justificación de la legitimidad de la existencia de la pintura secular y apoya el desarrollo del género del retrato en la pintura, y Simon Ushakov define la pintura como un espejo que debe reflejar fielmente el mundo real y el apariencia de una persona. En base a esto, el papel de la pintura está cambiando: el ícono ahora no es solo una imagen sagrada, sino también un objeto de admiración. Arquitectura rusa de la pintura de la escultura

Así, la tendencia general en el desarrollo de la pintura rusa del siglo XVII es su "secularización". En muchos murales, incluidos los de iglesia, el tema religioso pasa a un segundo plano, lo que se hace especialmente notorio en la segunda mitad del siglo. Los artistas rusos están cada vez más interesados ​​en los detalles cotidianos e históricos, el lado real de la trama de las obras. La idea principal a menudo se pierde entre los detalles menores que se prefieren. En este sentido, las pinturas se vuelven más complejas en los detalles. Los cambios también afectaron a la iconografía.

Arroz. Procopio Chirin. Icono "Santa Nikita la guerrera", 1593

A pesar de que en las pinturas todavía hay bastantes obras en las que prevalecen los cánones del siglo pasado, en general, en la pintura de iconos también se tiende a los detalles particulares, la sofisticación, la sutileza y la técnica pictórica de "joyería". aparecer.

Cabe señalar que a finales de los siglos XVI y XVII, junto con la tendencia en la pintura de iconos, que siguió el estilo monumental de pintura de los siglos XV y principios del XVI, llamado cartas de "Godunov", se desarrolló otra dirección. Esta dirección está representada por los íconos de la llamada escritura "Stroganov". Los maestros de esta escuela crearon obras de pequeño tamaño, que estaban destinadas a las capillas de los hogares. Las obras de este estilo que conocemos de Procopius Chirin, Istoma Savin, Nikifor Savin, Emelyan Moskvitin se distinguen por su meticuloso acabado con metales preciosos. En el ícono del maestro Nikifor Savin "El milagro de Fyodor Tyron", que data de principios del siglo XVII (RM), varios episodios se combinan en una composición en un campo pequeño. "Sagrado" es solo la trama de la obra, vestida en forma de un fascinante cuento de hadas. Los cambios característicos en la naturaleza misma de la imagen artística también son visibles en el ícono de Procopius Chirin "Saint Nikita" (1593, Galería Estatal Tretyakov). El guerrero, vestido con una camisa roja, una armadura dorada y una capa azul brillante, se representa como un caballero refinado y elegante. Llama la atención la sofisticación de las combinaciones de colores, el estudio cuidadoso de los detalles y el dibujo en miniatura del rostro y las manos. Todos estos detalles relegan a un segundo plano la idea religiosa del icono. A mediados de siglo, la técnica de escritura de los maestros "Stroganov" se movía de las obras en miniatura a las grandes. Un ejemplo son los íconos "Juan en el desierto" (1620-1630) o "Anunciación con Akathist" (1659, de Yakov Kazanets, Tavrilo Kondratiev, Simon Ushakov).

A partir de mediados del siglo XVII, trabajaron los pintores de iconos, en cuyas obras aparecieron rasgos realistas por primera vez en el arte ruso. Por supuesto, todo esto es relativo, y pasarán dos siglos más antes de que el realismo se convierta en la tendencia principal de la pintura rusa. En primer lugar, cabe señalar Simon Ushakov. Es cierto que en el razonamiento teórico el maestro es más consistente que en la práctica. Sin embargo, en su obra "El Salvador no hecho a mano" se puede ver el deseo de una forma tridimensional, cuidadosamente modelada, para la creación de un entorno espacial real. Y aunque Ushakov no superó por completo las convenciones de la pintura de íconos antiguos, otros artistas de la Armería también encontraron el deseo de una verosimilitud real en sus obras, incluidos Bogdan Saltanov, Yakov Kazanets, Kirill Ulanov, Nikita Pavlovets, Ivan Bezmin, más tarde. Tuvo un impacto significativo en el arte ruso.

Las nuevas tendencias en la pintura rusa del siglo XVII se manifestaron claramente en el "parsun" (derivado de la palabra "persona"), que se convirtió en la etapa inicial en la formación de un retrato realista. En la pintura de iconos y murales de este período, nos encontramos cada vez más con imágenes de personas reales, correspondientes a los cánones de la pintura de iconos. En el párroco, la tarea principal del maestro fue el reflejo más preciso de los rasgos característicos del personaje, en lo que los artistas lograron bastante bien.

Arroz. Zar Fedor Ioanovich. Parsuna. Artista desconocido. Rusia. 1630

Las mejores obras de esta tendencia incluyen imágenes del Zar Fyodor Ioannovich (segundo cuarto del siglo XVII, Museo Estatal de Historia), Príncipe Skopin-Shuisky (segundo cuarto del siglo XVII, Galería Estatal Tretyakov), Iván IV (segundo cuarto del siglo XVII). siglo, Copenhague, Museo Nacional).

Entre los artistas extranjeros que trabajaron en Moscú en la segunda mitad del siglo XVII, se puede destacar al artista holandés D. Wuchters. Se le considera el autor del retrato grupal "Patriarca Nikon, pronunciando una lección al clero" (hacia 1667, Museo Regional de Costumbres Locales, Istra). Sin duda, el trabajo de artistas extranjeros tuvo un impacto en el desarrollo de la pintura rusa, ayudando a los artistas rusos a adentrarse en el camino del arte realista. Así, en la segunda mitad del siglo, aparecieron obras de retratos (por ejemplo, Stolnik G.P. Godunov, alrededor de 1686, Museo Estatal de Historia), anticipando directamente el arte del retrato ruso del siglo XVIII.

Muchos frescos relacionados con siglo XVII. Sus creadores son artistas de Moscú, Kostroma, Yaroslavl, Vologda, Nizhny Novgorod y otros artels. A pesar de que su trabajo a menudo se fusiona con la pintura de iconos, al mismo tiempo, la técnica de pintar en las paredes requería técnicas especiales de imagen. Cabe señalar que en las pinturas de las paredes, las nuevas tendencias se hacen sentir con mayor claridad: esta es la diversión de la historia y numerosos detalles cotidianos, el uso de muestras de Europa occidental como guía (en particular, la famosa Biblia de Piscator). , publicado en 1650 en Amsterdam). El arte de la pintura mural ahora está destinado a un público más amplio.

Las principales características del desarrollo de la pintura monumental en las paredes del siglo XVII estuvieron determinadas por las actividades de los artistas que trabajaron en Moscú. Ejemplos característicos son los murales de la Catedral del Arcángel (1652-1666). Las paredes y bóvedas de la catedral están pintadas con numerosas composiciones y figuras individuales de santos y príncipes. A pesar del anhelo por los detalles y las soluciones dinámicas agudas de las composiciones (por ejemplo, "La batalla de Gedeón"), prevalecen las características de la pintura monumental. Hermoso conjunto de frescos de Moscú - pintura de la Iglesia de la Trinidad en Nikitniki (1652-1653). En este trabajo, los maestros muestran un compromiso con la narración. Las pinturas están llenas de detalles interesantes. En los relatos evangélicos, en las ilustraciones de las parábolas, en los frescos sobre temas del Apocalipsis, los autores toman prestados varios atributos de la vida que les rodea. Aunque las figuras de los personajes en las composiciones son mucho más pequeñas que en pinturas anteriores, los artistas logran la unidad necesaria de toda la pintura dividiéndola claramente en niveles y composiciones individuales en ellos, así como por el esquema de color, que está dominado por cálidos tonos ocres. La pintura de la Iglesia de la Trinidad en Nikitniki es una etapa importante en la pintura rusa del siglo XVII. Fue ella quien se convirtió en un punto de referencia para el maestro de la segunda mitad del siglo XVII, así como del siglo XVIII, que trabajó en la pintura de iglesias en Yaroslavl, Kostroma, Vologda, Rostov y otras ciudades de Rusia.

Una característica importante de las pinturas del siglo XVII es la impresión de dinámica, energía interna. Es cierto que en algunas ciudades, por ejemplo, en los murales de Rostov de este período, todavía predominan las líneas suaves y flexibles, que delinean libremente las siluetas de las figuras. En la Iglesia del Salvador en Senya, están representados los diáconos con vestiduras festivas. Sus posturas son tranquilas, sus movimientos medidos y solemnes. Sin embargo, la tendencia de la época también se puede rastrear aquí: la ropa de brocado está decorada con intrincados adornos florales y geométricos. Los murales de la Iglesia del Salvador en Senya y la Iglesia de la Resurrección (década de 1670) son un arte festivo, brillante y solemne.

A diferencia de los murales mencionados anteriormente en Rostov, los murales de las iglesias de Yaroslavl de Ilya the Prophet (1681, maestros principales G. Kineshhemtsev, S. Savin) y John the Baptist (1694-1695, artel de artistas dirigidos por D. Plekhanov) están llenos de actividad. Los maestros no prestan atención a la armonía de las siluetas, la sofisticación de las líneas. Para ellos, la acción, la trama es más importante. Entonces, en las composiciones que hablan del profeta Eliseo, hay muchos detalles y episodios secundarios.

Arroz. José Vladimirov. Descenso del Espíritu Santo sobre los Apóstoles, 1666. Moscú, Iglesia de la Trinidad en Nikitniki

En la escena de la curación del muchacho de Eliseo, el artista se centra en la imagen de la cosecha. Las figuras de los personajes están representadas en movimiento libre, se puede ver el deseo del autor de transmitir el espacio y el paisaje real. Al mismo tiempo, no hay sentimientos internos, característica psicológica imágenes, aunque se presta mucha atención a la apariencia de los personajes. Están vestidos con ropa colorida festiva. Los personajes de los murales de las iglesias de Elías el Profeta y Juan Bautista gesticulan violentamente, y esta gesticulación es uno de los principales medios de su caracterización. La festividad de las pinturas de Yaroslavl le da un sabor especial: los colores en ellas son brillantes, sonoros. Este aspecto incluso priva en cierta medida a las escenas escatológicas del sentimiento de tensión dramática. Aunque en composiciones como "El juicio final" de la Iglesia Bautista, los autores intentan hacer pensar a la audiencia sobre la retribución inevitable "en el otro mundo" por los pecados de este mundo.

El libro manuscrito todavía existía en el siglo XVII, aunque fue suplantado gradualmente por el libro impreso. Siguiendo la tendencia de la época, los motivos realistas penetraron más a menudo en la miniatura, así como en la pintura. Se "secularizó" el diseño de libros manuscritos de contenido religioso. Junto con esto, las ilustraciones se volvieron más magníficas, su ornamentación se volvió más complicada. Es característico el folio manuscrito "Titulario", creado en la década de 1670, con numerosas imágenes de reyes y príncipes de los siglos XVI-XVII. También se debe tener en cuenta que el evangelio de Siysk (1693, Biblioteca de la Academia de Ciencias), "Medicina del alma" (1670, Armería del Estado), que son típicos de esta época, contienen muchos detalles cotidianos. Muchas miniaturas son composiciones de género bien organizadas.

En el siglo XVII se desarrolló el grabado sobre madera y luego sobre cobre. Esta dirección también está representada por maestros talentosos, incluidos Kondraty y Gavrila Ivanov, Grigory Blagushin, Leonty Bunin, Vasily Koren, Afanasy Trukhmensky. Pintores tan conocidos como Prokopy Chirin, Simon Ushakov, Fyodor Zubov se dedicaron a trabajar en esta área. En general, el grabado experimentó una importante evolución durante el siglo XVII, dominando a finales de siglo los medios realistas de representación. En este caso, el trabajo de Trukhmensky es indicativo. Su pagina del titulo Las "Historias sobre Barlaam y Joasaph", realizadas según el dibujo de Simon Ushakov, dan testimonio de la fluidez en la técnica del tallado en cobre. Las figuras alegóricas femeninas y masculinas "Paz" y "Advertencia" son interesantes: se interpretan de manera bastante realista, así como el marco arquitectónico de la hoja. Además, basándose en los dibujos de Ushakov, Trukhmensky ejecutó grabados para Salterio en verso (1680), Cena conmovedora (1681) y Cena conmovedora (1682).

Así, el grabado del siglo XVII, al igual que la pintura, sentó las bases de este tipo de arte ya en época petrina. La conexión entre la obra de los maestros de arte de finales del siglo XVII y el primer tercio del siglo XVIII es evidente.

3. Arquitectura rusa del siglo XVII

El siglo XVII se convirtió en un siglo de graves trastornos y grandes cambios para Rusia. Todo esto no podía sino afectar el desarrollo de la cultura. Las actitudes hacia la religión cambiaron, se fortalecieron los lazos con Europa, nacieron nuevos estilos en la arquitectura. Fue durante este período que se notó la transición de la arquitectura de las formas estrictas de la Edad Media a la decoración, de la iglesia a lo secular. Arquitrabes tallados y tallados en piedra, aparecen azulejos multicolores en las fachadas de los edificios.

A principios del siglo XVII continúa la construcción de composiciones a cuatro aguas, iniciada en el siglo XVI. Uno de los ejemplos más brillantes de esa época es la Iglesia Divina de la Dormición en el territorio del Monasterio Alekseevsky en Uglich.

En construcciones posteriores, la carpa deja de ser un elemento estructural y pasa a cumplir una función más decorativa. Se puede ver tanto en pequeñas iglesias como en edificios seculares de esa época. El último templo tipo carpa es la Iglesia de Moscú del Nacimiento de la Virgen en Putinki, que data de mediados del siglo XVII. El hecho es que solo durante este período, la iglesia, encabezada por el patriarca Nikon, reconoció muchos de los viejos dogmas de la iglesia como erróneos, y se impuso una prohibición a la construcción de catedrales e iglesias en forma de carpa. A partir de ahora, debían ser indefectiblemente de cinco cabezas y con cúpulas.

Arroz. Iglesia Divina de la Dormición en el territorio del Monasterio Alekseevsky en Uglich

Además de las tiendas de campaña, en el siglo XVII se construyeron catedrales e iglesias cúbicas sin columnas, también llamadas barcos, así como templos redondos.

Continúa la popularización de los edificios de piedra, que comenzó en el siglo XVI. En el siglo XVII, tal construcción se convirtió no solo en un privilegio de los reyes. Ahora los boyardos y los comerciantes podían construir mansiones de piedra. Muchas casas residenciales de piedra se construyeron en el siglo XVII tanto en la capital como en las provincias. Pero resultó que los reyes, por el contrario, preferían la arquitectura de madera. A pesar del uso generalizado de la piedra como principal material de construcción, el siglo XVII puede considerarse con razón el apogeo de la arquitectura de madera rusa. El palacio real en Kolomenskoye fue considerado una obra maestra de la arquitectura de madera y la arquitectura del siglo XVII. En ese momento, la residencia constaba de 270 habitaciones y unas 3.000 ventanas. Desafortunadamente, a mediados del siglo XVIII fue desmantelado debido al deterioro por orden de la emperatriz Catalina II. En nuestro tiempo ha sido recreado a partir de apuntes y dibujos, lo que permite juzgar la belleza y grandeza de la arquitectura de la época, pero de esta forma ya no representa el valor arquitectónico como si fuera el original.

A fines del siglo XVII, apareció un nuevo estilo en la arquitectura de las catedrales rusas, llamado Naryshkin o barroco de Moscú. El estilo obtuvo su nombre del nombre del cliente principal. Este estilo corresponde a la combinación de colores blanco y rojo en la pintura de las fachadas de los edificios, el número de pisos de los edificios. Ejemplos de edificios en este estilo son las iglesias y palacios de Sergiev Posad, la Iglesia de la Intercesión en Fili, los campanarios, el refectorio y las iglesias de la puerta en el Convento Novodevichy.

Arroz. Iglesia de la Intercesión en Fili

Los cambios en la vida del país, el desarrollo de las relaciones comerciales con los vecinos y algunos otros factores proporcionaron los requisitos previos para que las ciudades rusas comenzaran a expandirse. Aparecieron nuevas ciudades en el sur y el este del país. Aparecieron los primeros intentos de crear planes de ciudad y agilizar la planificación urbana.

En relación con la expansión de las fronteras del estado, el cese de las incursiones de los tártaros en Rusia, el centro del país ya no necesitaba tanta protección como en la Edad Media. Muchas fortalezas de ciudades y murallas de monasterios en la parte central del país dejaron de cumplir funciones defensivas. Este período en la vida del país coincidió con el surgimiento de una nueva corriente en la arquitectura, alejándose de las líneas estrictas y avanzando hacia el embellecimiento. Por eso, en el siglo XVII, muchos edificios y monasterios del Kremlin se completaron con un toque especial. Ahora los arquitectos pensaban más en la apariencia, la elegancia de la decoración, la expresividad de las líneas, que en la calidad defensiva de las torres y edificios.

Tanto las casas residenciales de comerciantes y boyardos, como los edificios administrativos en el siglo XVII comenzaron a construirse con dos o tres plantas. Con una base de piedra, el piso superior podía ser de madera, a menudo el edificio estaba completamente hecho de madera. El piso inferior de tales edificios generalmente se usaba para las necesidades del hogar.

A mediados de siglo, bajo los auspicios del patriarca Nikon, Moscú comenzó a recrear los lugares sagrados de Palestina. El proyecto da como resultado la construcción del Monasterio de la Nueva Jerusalén en el río Istra. El monasterio se complementó con un complejo tradicional de estructuras de madera, la Catedral de la Resurrección. Más tarde, debido a la desgracia de Nikon, se detuvieron los trabajos de construcción. Los artesanos bielorrusos que trabajaron en la construcción trajeron a la arquitectura rusa el uso de cerámica y azulejos para la decoración de fachadas. Posteriormente, muchos intentaron imitar la catedral del monasterio en todas las formas posibles, intentaron superarla en elegancia.

A pesar de que muchas ciudades tenían sus propias peculiaridades en arquitectura y planificación urbana, el esplendor elegante y las formas y fachadas decorativas espectaculares comenzaron a extenderse por todas partes. Rusia, después de haber sobrevivido al período de disturbios, parecía renacer, mirando hacia el futuro con esperanza. Durante este período, el deseo de embellecimiento resultó en la decoración de las torres del Kremlin de Moscú con carpas, así como en la decoración de las paredes blancas de la Catedral de San Basilio (Catedral Pokrovsky) con adornos brillantes y coloridos. En 1635-1636, se erigió en el Kremlin un Palacio Terem de tres pisos con una estructura escalonada pronunciada. Inicialmente, sus paredes estaban pintadas, tanto por dentro como por fuera, el nivel superior del palacio estaba decorado con azulejos. La catedral en el territorio del complejo es un representante típico del estilo barroco, que en ese momento recién comenzaba a extenderse en la arquitectura rusa del siglo XVII.

En ese momento, Yaroslavl era la segunda ciudad más importante de Rusia. Los azulejos se utilizaron activamente para decorar las iglesias de Juan el Bautista en Tolchkovo, así como las de Juan Crisóstomo en Korovniki. Estos edificios se caracterizan por el uso de un patrón brillante creado con la ayuda de azulejos esmaltados. Un monumento típico de este período de la arquitectura en Yaroslavl es la Iglesia de Elías el Profeta.

En el período del siglo XVII, se llevó a cabo en todas partes la construcción de nuevos templos de piedra, monasterios y en Murom. Se construyeron dos monasterios: el de la Trinidad femenina y el de la Anunciación masculina. En lugar de edificios de madera, se erigieron templos de piedra en el Monasterio de la Resurrección de mujeres, la Iglesia de San Jorge, destruida en los años 30 del siglo XX, así como la Iglesia de cinco cúpulas de Kazan o Nikolo-Mozhaisk y la Nikolo-Zaryadskaya de una sola cúpula. Iglesia. El templo Nikolo-Zaryadsky tampoco sobrevivió, pero en esos años fue uno de los mejores ejemplos de la arquitectura rusa de la segunda mitad del siglo XVII. La última iglesia de piedra de la Intercesión fue construida en Murom en este siglo, ubicada en el territorio del Monasterio Spassky. El edificio residencial monástico, es decir, el edificio anterior al Monasterio Spassky, es el único ejemplo en la ciudad que permite imaginar la arquitectura civil de la ciudad en el siglo XVII. No muy lejos de Murom, en el Monasterio Borisoglebsky, en lugar de iglesias de madera en ruinas, se erigió un hermoso conjunto de edificios de piedra en el siglo XVII: la Iglesia de la Natividad, la Iglesia de la Ascensión (Boris y Gleb) y la Iglesia de San Nicolás. . De estos, solo la Iglesia de la Natividad de Cristo ha sobrevivido hasta el día de hoy.

Muchos edificios de templos de esa época se han conservado en otras ciudades provinciales: en Uglich, Saratov, Veliky Ustyug, Ryazan, Kostroma, Suzdal y otras. De los grandes conjuntos arquitectónicos que datan del siglo XVII, se puede destacar el edificio del Kremlin en Rostov el Grande.

Arroz. Krutitsy Teremok

Una gran cantidad de edificios seculares han sobrevivido hasta nuestros días, lo que nos permite juzgar la arquitectura de esa época. Estas son las torres de madera del Kremlin, la torre Krutitsky y la casa de Golitsyn en Moscú, las cámaras de piedra de Pogankin en Pskov, como muchos edificios de esa época, lo que indica un alto grado de gusto caprichoso que reinó en la arquitectura del siglo XVII.

4. Escultura

En comparación con la arquitectura, el desarrollo de la escultura rusa en el siglo XVIII fue más desigual. Los logros que marcaron la segunda mitad del siglo XVIII son inconmensurablemente más significativos y variados. El desarrollo relativamente débil de las artes plásticas rusas en la primera mitad del siglo se debió principalmente al hecho de que aquí, a diferencia de la arquitectura, no existían tradiciones y escuelas tan significativas. El desarrollo de la escultura rusa antigua, limitado por las prohibiciones de la Iglesia cristiana ortodoxa, tuvo un efecto.

...

Características del arte ruso del siglo XIX. Estudio de las tendencias del romanticismo en la pintura. Pintura de retratos en la obra de Orest Kiprensky y Vasily Tropinin. Karl Bryullov es un maestro del retrato y la pintura histórica. Representantes de la pintura religiosa.

resumen, añadido el 17/05/2015

El estado general del arte ruso en la primera mitad del siglo XIX, sus principales tendencias y reflejo de los acontecimientos políticos y sociales. El camino desde el clasicismo pasando por el romanticismo hasta el realismo crítico, la popularidad de las artes plásticas. El desarrollo de la arquitectura.

resumen, añadido el 28/07/2009

Arte ruso de la era anterior a octubre. El crecimiento de la autoconciencia nacional del pueblo ruso y el interés por la vida artística de Rusia. Bellas artes de la primera mitad del siglo XIX. Monumentos de la arquitectura del Imperio. Tendencias estilísticas en la pintura.

resumen, añadido el 11/07/2011

Los orígenes del arte del antiguo Egipto y su conexión con la religión. Características distintivas del desarrollo de la arquitectura, la pintura, la pintura, la escultura, el relieve en el período de los reinos temprano, antiguo, medio y nuevo. Principios del arte egipcio. Panteón de dioses y religión.

resumen, añadido el 20/04/2011

Arte ruso de principios del siglo XX: escultura, arquitectura, pintura y literatura. "Renacimiento Cultural" de principios del siglo XX. Ilustración, ciencia y científicos convencionales. El vanguardismo en el arte del siglo XX. Tendencias de la moda del siglo XX y el cine de vanguardia soviético de la década de 1920.

resumen, añadido el 06/03/2009

Destacados ejemplos de arquitectura y escultura rusa del siglo XIX. La historia de la creación del Mighty Handful, compositores famosos y su contribución al desarrollo de la música. El florecimiento del arte teatral, famosas actrices y dramaturgos. Inauguración de la Galería Tretyakov en Moscú.

presentación, añadido el 16/02/2013

El estado de la cultura rusa en el siglo XVIII, el impacto en su formación de las reformas de Pedro I y las tendencias europeas. Las principales características del arte de ese período, su relación con el curso del proceso histórico. Destacados representantes de la arquitectura y la pintura.

resumen, añadido el 27/07/2009

La pintura como forma de arte. Tipo de bellas artes - gráficos. Forma de arte antigua - escultura. La arquitectura es el arte de diseñar y construir. Las principales direcciones y técnicas del arte contemporáneo. Arte cinético y de vanguardia.

Los investigadores atribuyen el origen de la pintura rusa a principios del siglo XI. Como saben, a fines del siglo X, Kievan Rus adoptó el cristianismo. De acuerdo con las instrucciones del príncipe Vladimir, se erigieron los primeros templos de piedra y madera.s; la iglesia buscó difundir y establecer la religión cristiana entre las masas, los príncipes, para exaltar y fortalecer el poder "dado por Dios". Hábiles artesanos pintaron iconos, cubrieron las paredes de las iglesias con frescos y mosaicos. YFueron los iconos y los frescos los orígenes de la pintura rusa.

SofíaCatedral de Kiev. Mosaicos del espacio de la caracola y la cúpula. 1040

Uno de ellos ténuestro históricomonumentos de la antigua Rusia - la iglesia de Kiev de St. Sofia, construida a mediados del siglo XIka y decorado con frescos y mosaicos de maestros bizantinos y rusos. Sus bóvedas, paredes, cúpula, pilares, coros, escaleras están cubiertas con frescos y mosaicos que representan a los padres de la iglesia, apóstoles, arcángeles, evangelistas, guerreros santos, majestuosos y solemnes, en poses tranquilas y sobrias, con ropas que fluyen en grandes pliegues rítmicos.anuncios No menos interesantes son los frescos que cubren los muros interiores de las torres de la Catedral de St. Sofía. Estos son los únicos monumentos de su tipo, no religiosos, sino pinturas seculares, que casi nunca se encuentran en las pinturas monumentales rusas antiguas hasta el siglo XVII. En estos frescos, ejecutados, aparentemente, conjuntamentesobre bizantino y ruMaestros rusos, vemos el hipódromo de Constantinopla, el emperador sentado en un palco, luchadores a puñetazos, acróbatas, bufones, músicos, bailarines, titiriteros, escenas de caza de osos, animales varios.

A principios del siglo XII, Kievan Rus, que era uno de los estados más poderosos y cultos Europa medieval, está en declive, y la propia Kiev, "la ciudad de toda Rusia", se convierte en la manzana de la discordia entre los numerosos descendientes de Yaroslav el Sabio. La fragmentación feudal, las luchas internas sangrientas y las incursiones principescas que asolaron las ciudades y pueblos del país, el malestar popular, las invasiones de nómadas guerreros: esto es lo que determinó los siglos posteriores de la historia rusa. Poco a poco, Vladimir se convirtió en la capital cultural de Rusia.

Desafortunadamente, poco del arte de Vladimir-Suzdal Rus ha sobrevivido hasta el día de hoy. De los monumentos de pintura de los siglos XII-XIII, solo una parte de la composición del Juicio Final (los restos de frescos en la Catedral Dmitrievsky), un ícono monumental de finales del siglo XII-principios del siglo XIII, que representa a St. Demetrio de Tesalónica y varios iconos del siglo XIII recuerdan el apogeo de la fuerte y original escuela Vladimir-Suzdal de pintura rusa antigua.

Dmitri Solunsky. icono ruso. 1275-1300 años

"Dmitri de Tesalónica" es una imagen no tanto de un severo santo cristiano, mártir y asceta, como de un gobernante terrenal. Vestido con ropas ricamente decoradas con oro y piedras preciosas, se sienta majestuosamente en un trono magnífico. Un ángel corona su cabeza con una corona principesca, indicando así el origen divino del poder. En la mano derecha del héroe hay una espada pesada. Con tal interpretación, con toda la estructura figurativa de este ícono monumental, el artista afirmó en la mente de sus contemporáneos la idea de la inviolabilidad del poder principesco. El ritmo suave y tranquilo de los amplios contornos lineales: los poderosos hombros del santo, los pliegues redondeados de la ropa y el arco del respaldo del trono, la simetría y el equilibrio estable de las masas, el colorido decorativo que le da al ícono. una tensión interna: todo esto habla de la habilidad del artista y del alto nivel que alcanzó la pintura rusa hace ochocientos años.
Se interrumpió el rápido ascenso de la cultura artística de la antigua Rusia en la primera mitad del siglo XIII. invasión mongola, que se convirtió en la gran tragedia histórica del pueblo ruso. Kiev estaba en ruinas, que desde entonces ha perdido su importancia como el centro del estado de toda Rusia, Rostov el Grande, Suzdal, Ryazan, Smolensk, Chernigov, Galich fueron devastados ...Los enemigos no atacaron Novgorod.Y en los tiempos más difíciles para Rusia, la primavera de la creatividad no se secó aquí. Además, el debilitamiento e incluso la terminación de los lazos con Bizancio, el crecimiento y fortalecimiento de la autoconciencia de las clases de comerciantes y artesanos, que jugaron un papel crucial en la vida política, económica y cultural de Novgorod, contribuyeron a una vida más libre y más manifestación directa de los principios populares y nacionales.

La pintura de iconos de Novgorod de los siglos XII-XV, por regla general, no se distingue por su impresionante y refinado virtuosismo de ejecución. A veces, los iconos modestos de Novgorod parecen groseros, arcaicos, casi primitivos. Colores brillantes, limpios y resonantes, santos rechonchos y rechonchos, a menudo más parecidos a figurillas talladas en madera que a ascetas severos de estrictas muestras bizantinas. Este arte es esencialmente profundamente democrático, está arraigado en los elementos de la cosmovisión popular, la creatividad campesina, los gustos y las ideas de las amplias masas.Pero con toda la simplicidad y primitivismo, los mejores íconos de Novgorod de los siglos XIII-XV son alto clásico antiguo arte ruso. Sus composiciones, a veces complicadas narrativas, a menudo escasas y lacónicas, como si fueran escasas, son siempre proporcionadas y sólidas, lo que es un signo de obras verdaderamente artísticas. El patrón elástico es rítmico y transmite con precisión no tanto la percepción visual del objeto como su esencia. El color conquista con su expresividad emocional, la verdad del sentimiento escondido en él. Estas obras espontáneas y algo ingenuas están marcadas por el rico talento de la gente, su comprensión sutil y verdadera de la belleza de la vida y la belleza del arte.
Las mismas cualidades, aunque refractadas de manera diferente, son inherentes a la pintura monumental, cuyo desarrollo está estrechamente relacionado con el florecimiento de la arquitectura de Novgorod en los siglos XIII y XIV. Luego se erigieron las iglesias de San Nicolás en Lipna, la Asunción en el campo Volotovo, Fedor Stratilat, el Salvador en Ilyin y otros monumentos de la arquitectura rusa antigua. Desafortunadamente, muchos monumentos de la arquitectura y la pintura de Novgorod se perdieron irremediablemente durante la Gran Guerra Patria, pero lo que se restauró, lo que se conservó en originales, copias, fotografías, da una imagen completa de la vida artística de Novgorod en esos años.

Uno de los monumentos más interesantes, los murales de la Iglesia de la Asunción de la Virgen en el campo de Volotovo, un fenómeno sobresaliente incluso en el alto nivel general de la pintura monumental de Novgorod de la segunda mitad del siglo XIV. El mundo creado por el artista pierde su inmovilidad canónica, se satura de acción y movimiento dramático, la gente vive en él con sus pasiones. El esquema de color de la pintura está determinado por grandes manchas de colores, que se convierten suavemente en delicados medios tonos. El efecto de los tonos rosas en un azul brillante, como si el fondo luminoso es muy peculiar. Tanto en la pintura de iconos como en los murales monumentales, la vitalidad característica de los novgorodianos desplaza decisivamente el sombrío ascetismo que la iglesia oficial impuso al arte.

En los siglos XVI y XVII, Novgorod era parte del estado moscovita unificado, su arte ya no era una escuela regional, sino una parte integral de la cultura artística de toda Rusia.

Uno de los pintores más brillantes de la antigua Rusia fue Teófanes el griego, que llegó de Bizancio como un artista maduro que dominó la rica herencia del arte bizantino, autor de muchas pinturas monumentales. En Veliky Novgorod, y luego en Moscú, estuvo rodeado de numerosos estudiantes y seguidores. Pero el maestro no solo enseñó, sino que él mismo aprendió mucho, miró el arte ruso, absorbió sus ideas, experiencia, imágenes e identidad nacional.

Al igual que otros maestros del arte antiguo, hasta el día de hoy ha sobrevivido poca información sobre Teófanes el griego. Pero en sus obras hay toda una gama de impresiones e influencias que formaron una individualidad brillante y fuerte del artista. Al llegar a Novgorod, Feofan se sorprendió por los murales de la Iglesia del Salvador en Nereditsa: la energía vital que brilla en la apariencia de los personajes, la fuerza y ​​​​la expresividad de sus personajes completos, grandes y al mismo tiempo complejos. Además, el trabajo de Theophan estuvo influenciado por la arquitectura de Novgorod, uno de cuyos ejemplos fue la Iglesia de Fyodor Stratilat. En términos de arquitectura y sonido emocional y figurativo, la Iglesia de la Transfiguración del Salvador, construida en 1374 por los residentes de la calle Ilyina, está cerca de la Iglesia de Fyodor Stratilat. Se encargó a Teófano el griego que lo pintara. Esta es la única obra sobreviviente del maestro.

Los frescos de la Iglesia del Salvador en Ilyina fueron creados por Feofan el griego, según creen los investigadores, en 1378. Una clara influencia de su arte expresivo y emocionalmente intenso aparece en los murales de otras iglesias de Novgorod realizados en los años 1370-1380 por rusos. maestros - Fedor Stratilat en el Arroyo, la Asunción en el campo Volotovo . La última de las obras de Feofan que conocemos es el iconostasio de la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú, realizada por él a una edad avanzada junto con Andrei Rublev y Prokhor de Gorodets (fechado en 1405). Del mensaje del artista y escritor Epifanio, escrito por él alrededor de 1415 al hegumen del Monasterio de Spas-Afanasyev Cirilo de Tverskoy, en “Moscú, Feofan pintó tres iglesias, incluida la Anunciación de la Santa Madre de Dios, San Miguel y uno más.”A diferencia de muchos maestros de la antigua Rusia, el nombre de Andrei Rublev no se ha perdido durante siglos. Los contemporáneos apreciaron mucho sus obras; si algún príncipe quería apaciguar a otro, enviaba lo más preciado: el ícono de la carta de Andrei Rublev. Y, sin embargo, sabemos muy poco sobre su vida: nació, con toda probabilidad, alrededor de 1370, pasó su juventud en la Trinidad-Sergius Lavra, donde, aparentemente, fue tonsurado como monje, y luego durante muchos años fue monje. del Monasterio de Andronikov, que se extendía a orillas del Yauza, murió alrededor de 1430.

Se sabe que Andrei Rublev en Zvenigorod pintó la Catedral de la Asunción en Gorodok. Más tarde, volvió a trabajar en esos lugares: el artista pintó íconos para la Catedral de la Natividad completa del Monasterio Savvino-Storozhevsky. En 1405, Andrei Rublev, su maestro Prokhor de Gorodets y Feofan el griego recibieron el encargo de decorar la iglesia del palacio del Gran Duque, la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú, con murales e iconos.

Andrei Rublev creó una gran cantidad de íconos, frescos monumentales, manuscritos en miniatura, pero ahora solo podemos atribuir una pequeña parte a las obras auténticas del artista. Entre ellos se encuentran el "Arcángel Miguel" con la cabeza inclinada pensativa, un "Apóstol Pablo" concentrado e iluminado del rango de Zvenigorod, "Cristo" del mismo rango, en cuya imagen lírica y penetrante el artista encarnó el sueño más íntimo de bondad y justicia. Enormes figuras (dos alturas humanas) de Pedro y Pablo en los íconos de la Catedral de la Asunción en Vladimir, revelando el mundo interior profundamente oculto de sus pensamientos y sentimientos. Y de nuevo el Apóstol Pedro en el Juicio Final, gozosamente emocionado, inspirado, invocando con cariño a los justos que le siguen. Iconostasio de la Catedral de la Anunciación. Las obras grandes más recientes son imágenes para la Catedral de la Trinidad del Monasterio de Sergio, fragmentos de la pintura de la Iglesia Spas-Andronikov. Y, por supuesto, la famosa Trinidad.

En Trinity, Rublev abandonó las imágenes tradicionales del justo Abraham, su esposa Sarah, preocupándose por una comida para invitados inesperados, un sirviente sacrificando un ternero y otros atributos de una antigua leyenda bíblica. El artista no quería crear una escena cotidiana, sino símbolo poético, una alegoría que no necesita tiempo ni espacio real. Nada superfluo, opcional: solo una mesa, un cuenco con la cabeza de un ternero sacrificado, un roble Mamvrian, una roca, una casa al fondo. Y tres ángeles jóvenes con alas doradas detrás de sus hombros y con bastones de viajeros en sus manos, su conversación inaudible sobre lo más importante e importante: sobre el amor, la humilde mansedumbre, el sacrificio personal por el bien de los demás.

La composición del icono, construida sobre un movimiento pausado y tranquilo en círculo, es impecablemente perfecta y armoniosa. Para Rublev y sus contemporáneos, el círculo no es solo una forma, sino un símbolo espacioso del cielo y la luz, la fe, la esperanza y el amor. Al mismo tiempo, no hay la menor deliberación en la Trinidad: la composición del icono, las poses y los gestos de los ángeles son libres y naturales. Como en otras obras de arte verdaderamente grandes y bellas, en la Trinidad de Rublev es imposible aislar un solo elemento de la forma artística sin dañar el conjunto, aquí todo es interdependiente.

Dionisio es el último de los tres grandes artistas de la antigua Rusia. Líneas de antiguas crónicas y documentos nos ayudan a recrear la biografía del maestro. Dionisio nació, con toda probabilidad, alrededor de 1440. Era un laico y probablemente de noble cuna. El primer trabajo que conocemos fue la pintura de la Iglesia de la Natividad de la Virgen en Pafnutie en el Monasterio Borovsky, realizada por él bajo la supervisión del maestro Mitrofan. En 1482, Dionisio ya recibió una orden honoraria de íconos para la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. Este trabajo fortaleció aún más la posición del artista, muchos príncipes, boyardos, patriarcas, metropolitanos, abades de monasterios se encontraban entre sus clientes. Dionisio trabaja en los monasterios Pavlovo-Obnorsky y Joseph-Volokolamsky, en Moscú y Vologda, para el príncipe Andrei Vladimirovich, disfruta del patrocinio de Ivan III y su influyente asesor Joseph Volotsky.

La herencia creativa de Dionisio fue enorme (solo para el Monasterio de Joseph-Volokolamsk pintó 87 imágenes), pero solo unos pocos íconos han sobrevivido hasta el día de hoy, que pueden considerarse con razonable certeza como pertenecientes a su pincel. Afortunadamente, la última y más significativa obra de Dionisio se ha conservado casi en su forma original e intacta: la pintura de la Catedral de la Natividad de la Madre de Dios del Monasterio de Ferapontov, realizada por él junto con sus hijos Vladimir y Teodosio en 1500-1502; aparentemente murió alrededor de 1508.

El arte de Dionisio estaba predeterminado en gran medida por la ideología estatal, las opiniones y los gustos del zar, la iglesia y la élite boyarda. Durante el reinado de Iván III, Moscú Rusia, que entró en la arena de la historia europea como una gran potencia centralizada, reúne las tierras rusas en un solo estado. Ya no solo un príncipe, sino el soberano de toda Rusia determina la política nacional y el significado de Moscú. En estas condiciones, la impresionante solemnidad de las pinturas e íconos de Dionisio, la majestuosidad sobria de sus héroes, la clara madurez del pensamiento figurativo y el estilo del artista correspondían a la esencia misma y el espíritu de las aspiraciones de esa época.

Se indican signos de cambios importantes y significativos en el arte del siglo XVI. El imperioso y ambicioso zar Iván el Terrible, obsesionado con la idea de fortalecer aún más el poder autocrático, buscó subordinar el arte a sus planes políticos. En la pintura se utilizan ampliamente los temas e imágenes de carácter histórico legendario, destinados a afirmar y santificar el poder "divino" del rey por la tradición histórica. También hay íconos como "La Iglesia Militante", dedicada a la captura de Kazan en 1552 y, en esencia, combina el simbolismo teológico, la alegoría política y el género histórico en sí. Al mismo tiempo, en los íconos de los iconógrafos zaristas de Moscú, el gran estilo de los siglos XIV y XV es notablemente más pequeño: las escenas bíblicas se construyen sobre la base de tramas entretenidas, los motivos de las parábolas moralizantes suenan cada vez más claramente en ellas. , y las realidades específicas de la vida y la arquitectura rusas penetran en el entorno convencionalmente abstracto.

El siglo XVII en la historia rusa se caracteriza por una gran agitación: el reinado inquieto de Boris Godunov, los impostores del Falso Dmitry en el trono ruso, las invasiones de la nobleza polaca, el ascenso de una nueva dinastía Romanov. El mismo tiempo está consagrado por la hazaña de Ivan Susanin, el movimiento patriótico dirigido por el comerciante Kozma Minin y el príncipe Dmitry Pozharsky, la ira y el dolor de los rebeldes campesinos que se levantaron bajo el liderazgo de Ivan Bolotnikov. A mediados de siglo, la furiosa explosión de la guerra popular de Stepan Razin, que sacudió los cimientos de la Rusia autocrática boyarda; "Sal", "Cobre" y otros disturbios, reformas del patriarca Nikon, que trató de fortalecer la autoridad y el poder del zar y la iglesia (cisma de la iglesia), maldiciones frenéticas sobre los nikonianos por parte del arcipreste Avvakum y la fanática noble Theodosia Morozova. El siglo terminó con los tambores de los regimientos Preobrazhensky y Semenovsky, el divertido ejército del joven zar Peter Alekseevich. La cultura de esta era también era compleja y ambigua. Los fanáticos devotos de la antigüedad resistieron a los campeones de lo nuevo, los ásperos cánones de la pintura de iconos antiguos, guardados en los monasterios y sketes de los viejos creyentes, eran las tendencias del arte de Europa occidental.

Después de las devastadoras guerras y convulsiones de las primeras décadas del siglo XVII, comenzó un período de rápida construcción. En Moscú, Yaroslavl, Rostov el Grande, Suzdal, Kostroma, Vologda y otras ciudades grandes y pequeñas, surgieron catedrales, iglesias y monasterios, galerías comerciales y Kremlins fortificados, palacios reales y principescos. Los nuevos gustos y necesidades ya no fueron satisfechos por los templos antiguos, severos y ascéticos en su majestuosa y monumental simplicidad, sino por edificios elegantes, a veces intrincadamente decorados con patrones de mampostería multicolor, cornisas complicadas, platbands y ornamentos. La arquitectura, la pintura, las artes aplicadas se vuelven proporcionales a una persona y su percepción, brillante, alegre. Se requirieron isógrafos expertos para decorar nuevos templos con pinturas murales e íconos. Los talleres de la Armería se convirtieron en una especie de academia que formaba pintores, así como grabadores, joyeros, cazadores. A mediados del siglo XVII, estaban encabezados por el boyardo Bogdan Khitrovo, un hombre culto en ese momento, amante y conocedor de las artes, partidario de las nuevas tendencias.

Aquí, por ejemplo, iglesias pintadas por maestros de esa época: Vologda, Rostov o Yaroslavl: Juan el Bautista en Push, Elías el Profeta, decorado por Gury Nikitin con un artel, o la catedral del Monasterio Tolga cerca de Yaroslavl. Aquí ya no vemos las pasiones dramáticas que agitaban a los héroes de Theophan el griego, la paz majestuosa y la espiritualidad estricta y contenida del arte de Andrei Rublev, el lirismo refinado de Dionisio. Otro mundo, otras ideas, sentimientos, pensamientos, una actitud diferente ante la vida y el arte. Los elementos de la vida cotidiana, que anteriormente ocupaban un lugar tan modestamente subordinado en el arte ruso antiguo, ahora desplazan cada vez más los dogmas tradicionales de la pintura religiosa. En estas pinturas, demonios con patas de cabra y colas retorcidas como un panecillo, cultivadores de granos cosechando cosechas de un campo frondoso, patriarcas del Antiguo Testamento con voluminosos abrigos de piel de boyardo, hermosas muchachas con kokoshniks bordados con perlas, guerreros con caftanes de arqueros, palacios con extraños torreones, lámparas y galerías, pájaros y criaturas extravagantes, claros cubiertos de flores. La intrincada representación de este y aquel mundo combina con los colores brillantes y alegres de los murales del siglo XVII: azul, verde, amarillo, rosa y morado.

El comienzo secular, secular, que aumentó notablemente en el trabajo de los artistas de la mitad y la segunda mitad del siglo XVII, por supuesto, socavó en cierta medida el sistema religioso y filosófico de la pintura rusa antigua, sin embargo, lo nuevo seguía siendo, como fuera, apegado a lo antiguo, sin destruir hasta el suelo sus siglos consagrados y la tradición de límites y dogmas. Se conserva lo principal: el propósito mismo de la pintura rusa antigua es explicar, propagar y apoyar la ideología religiosa, los cánones de la iconografía ortodoxa, cuya observancia fue estrictamente supervisada por las autoridades de la iglesia.

Un fenómeno importante fue la amplia difusión a fines del siglo XVI, la primera mitad del siglo XVII de las "cartas de Stroganov". Este nombre fue dado a los íconos por el nombre de los ricos comerciantes e industriales Stroganovs, grandes amantes del arte que establecieron talleres de pintura de íconos en Solvychegodsk. En realidad, este tipo de íconos surgió a fines del siglo XVI entre los iconógrafos zaristas y patriarcales de Moscú, pero en la vida cotidiana de esa época, y más tarde en la historia del arte, se les asignó el nombre de Stroganov. Estas ni siquiera eran imágenes, sino joyas brillantes en un marco de joyería. Por lo general, de tamaño pequeño, no estaban destinados a iglesias, sino principalmente a casas de oración en el hogar.

Poco a poco, Rusia entra en la órbita de la gran política y el comercio europeos, comienza a dominar la cultura de los países occidentales. Los grabados extranjeros o, como se dijo entonces, Fryazh fueron ampliamente utilizados en Rusia; se vendieron tanto en Moscú como en tiendas y bazares provinciales. La "carta de Fryazhsky" en la segunda mitad del siglo XVII estaba ganando cada vez más adeptos, principalmente entre la nobleza de la corte, como, por ejemplo, el príncipe Vasily Golitsyn, los boyardos Artamon Matveev y Bogdan Khitrovo, así como los maestros de la Real Armería. Estaba encabezado por Simon Ushakov (1626-1686), un pintor destacado y talentoso que creó toda una escuela de estudiantes y seguidores y determinó la naturaleza del arte de esa época con su trabajo.

Simon Ushakov fue un maestro destacado, una especie de innovador que expresó plenamente las tendencias de la época. Pintó iconos, alegorías políticas (por ejemplo, "Plantar el árbol del Estado ruso", 1668), retratos, pintó iglesias, hizo adornos para los joyeros de la Cámara de Plata, grabó grabados. Uno de los íconos famosos del artista es "El Salvador no hecho a mano".

Cuanto más se alejaba la iconografía de los viejos cánones, más vehemente y polémicamente se oponían los cismáticos a la nueva forma, entre los cuales se encontraba el fanático “maestro cismático” Arcipreste Avvakum. Sin embargo, el pasado no podía ser devuelto.

Se dieron giros bruscos en todas las áreas de la vida del país: política, militar, económica, social, cultural. El siglo XVII allanó el camino para estos cambios, lo que entonces era más bien la excepción se ha convertido ahora en la regla. La era del arte ruso antiguo está llegando a su fin, la arquitectura, las bellas artes y las artes decorativas están entrando en una etapa cualitativamente nueva en su historia. Todo su curso condujo naturalmente a una ruptura radical de las antiguas tradiciones, conceptos e ideas, el antiguo arte ruso tuvo que dar paso a otras formas de conciencia social y reflexión figurativa de la realidad. La pintura de iconos, generada y condicionada por la iglesia como principal y, de hecho, única fuerza ideológica, está siendo sustituida por la pintura secular. La pintura de iconos, por supuesto, no desaparece por completo, todavía quedaban al menos dos siglos de su existencia por delante. Además, en el siglo XVIII e incluso más tarde en el norte, en los Urales, en las ermitas de Trans-Volga de los Viejos Creyentes o en el famoso pueblo de Palekh, se crearon notables ejemplos de "escritura estricta".

La iglesia oficial trató de reconciliar la iconografía tradicional con una nueva forma realista tridimensional, pero ya no eran tanto íconos como pinturas religiosas que tenían poco en común con la pintura rusa antigua. No santos, ni ángeles ni mártires, sino personas vivas y concretas de carne y hueso con sus características, pensamientos, sentimientos y aspiraciones individuales: estos son los héroes del nuevo arte. El antiguo sistema simbólico abstracto pulido durante siglos de la pintura de iconos se reemplaza por otros medios expresivos: la materialidad de la escritura y la forma visualmente tangible de los objetos, que transmiten de manera clara y confiable su volumen, masa, color, textura, perspectiva lineal y aérea, creando en un plano bidimensional la ilusión de la profundidad del espacio real, el claroscuro, cuyo juego complejo da a la imagen vitalidad y persuasión, en otras palabras, la pintura en su sentido moderno.

El ritmo de los procesos artísticos se está acelerando considerablemente, y en unas pocas décadas la pintura rusa ha recorrido un camino equivalente a dos o tres siglos para Europa occidental. Está tomando forma una estructura de pintura fundamentalmente nueva y completamente desarrollada, que incluye todos sus tipos y géneros: pintura de caballete, monumental, decorativa, teatral y decorativa, retrato, alegoría, pintura histórica, de batalla, mitológica y cotidiana, paisaje, naturaleza muerta. Las direcciones estilísticas del arte europeo, que se reemplazaron sucesivamente, coexistieron simultáneamente en Rusia.

El propósito de este ensayo es analizar la pintura rusa del siglo XVII.

Considere las escuelas de pintura que se desarrollaron en el siglo XVII;

Analizar las actividades de la Armería.

La relevancia de este tema se debe al hecho de que en el siglo XVII, por primera vez en muchos siglos, tuvo lugar una especie de revolución en la pintura rusa antigua, que dio impulso a los cambios posteriores en la pintura rusa en los tiempos modernos.

El siglo XVII es un período de rápido desarrollo de la antigua cultura rusa, pero al mismo tiempo fue el siglo de su finalización. Conservando las principales características de la forma de vida tradicional, la sociedad rusa comienza a transformarse en una dirección que más tarde encontrará su máxima expresión en las reformas de Pedro el Grande. Rusia se encontraba en el umbral de una nueva era. Se distinguen claramente dos tendencias en la cultura: la penetración de las influencias de Europa occidental y el proceso progresivo de secularización (secularización), es decir, la liberación del dominio de la iglesia.

Me gustaría echar un vistazo más de cerca a la pintura del siglo XVII.

En la pintura del siglo XVII se pueden distinguir varias tendencias. La tradición de la pintura de iconos sigue existiendo, centrada en repetir la forma pictórica de los grandes maestros del pasado: Andrei Rublev y Dionysius -los llamados escuela "Godunovskaya" , cuyos representantes trabajaban por orden de la corte real y representaban así la dirección "oficial" en el art. Al mismo tiempo, surge un nuevo fenómeno artístico, el llamado escuela "stroganoff" , que recibió su nombre de los comerciantes Stroganovs, que poseían una gran riqueza monetaria y de tierras y actuaban como patrocinadores-clientes. El famoso maestro del icono Stroganov fue Procopio Chirin .

La dirección más significativa y verdaderamente revolucionaria en la pintura de iconos se asoció con el nombre del iconógrafo real. Simón Fiódorovich Ushakov (1626 - 1686). Abandonó la tradición de representar imágenes incorpóreas planas incompletas, que provenían del arte bizantino, y se esforzó por dar a la imagen una semejanza con la vida real, para lograr una "semejanza viviente".

Un fenómeno significativo en las artes visuales del siglo XVII, que marcó el amanecer de los tiempos modernos, fue la aparición de un retrato: analizadores . Parsuna todavía es muy similar a un ícono, la imagen aún es condicional en muchos aspectos, pero a través del esquema de íconos, las características individuales ya son visibles en ellos.

ESCUELAS DE PINTURA DE ICONOS

escuela "Godunovskaya"

Escuela de pintura de iconos "Godunovskaya" - la escuela rusa de pintura de iconos, que se formó a finales del siglo XVI en un esfuerzo por revivir las tradiciones del arte dionisíaco siguiendo el antiguo canon de la pintura de iconos. La escuela de pintura de iconos se manifestó más claramente en una serie de obras asociadas con el nombre del zar Boris Godunov, razón por la cual obtuvo su nombre. Aunque los íconos incrustados y los manuscritos faciales de los Godunov en Ipátiev y otros monasterios e iglesias se caracterizan por una cierta unidad de estilo, la identificación de la escuela “Godunov” es bastante arbitraria, ya que a menudo los mismos pintores de íconos crearon obras que pueden ser atribuido tanto a la escuela "Godunov" como a la escuela de pintura de iconos "Stroganov", que se opone a ella.

Peculiaridades

Las imágenes canónicas coexisten con imágenes que dan testimonio de la búsqueda de nuevos medios de expresión al referirse a diferentes fuentes (pinturas bizantinas y occidentales, impresiones de la naturaleza viva)

Escenas de múltiples figuras con un intento de dar a una multitud de personas en forma de un grupo compacto de múltiples cabezas, una composición a menudo contiene varios episodios.

Combinación de ocre denso, rojo cinabrio y tonos azul verdosos profundos

Se nota un deseo de transmitir la materialidad de los objetos, aunque solo se están dando los primeros pasos en esta dirección.

Las figuras se presentan en una variedad de poses y movimientos rápidos, el tipo de rostro favorito es el de nariz afilada y ojos pequeños y penetrantes.

Obras características

Murales de las cámaras facetadas y patriarcales del Kremlin de Moscú

Murales de la Catedral de la Trinidad en Vyazemy

Murales de la Iglesia de la Anunciación en Solvychegodsk

Parte de la pintura de la Catedral de Smolensk del Convento Novodevichy, que data de finales del siglo XVI.

La pintura de la Catedral de la Trinidad en el patrimonio ancestral de los Godunov - el Monasterio de Ipatiev

escuela "Stroganov"

Escuela de pintura de iconos "Stroganov" - Escuela rusa de pintura de iconos, formada a finales del siglo XVI. La escuela "Stroganov" se llama condicionalmente así porque algunos íconos fueron encargados por personas eminentes de los Stroganov, comerciantes de sal. A él se unieron no solo los pintores de iconos Solvychegoda de Stroganov, sino también Moscú, maestros zaristas y patriarcales: Prokopiy Chirin, Nikifor, Nazariy, Fedor e Istoma Savina, Stepan Arefiev y otros.

El icono "Stroganov" es de tamaño pequeño, no tanto una imagen de oración como una miniatura preciosa, diseñada para un conocedor del arte. Se caracteriza por una escritura minuciosa y cuidada, gran destreza en el dibujo, rica ornamentación, abundancia de oro y plata. Tal, por ejemplo, es el ícono de la escuela "Stroganov" de Prokopy Chirin "Nikita the Warrior" (1583). Su figura es frágil, delgada, de rodillas dobladas, perdida en el vacío de un fondo oscuro, muy alejada de los personajes heroicos del arte ruso de los siglos XIV-XV. El mérito de los maestros "Stroganov" es que, por primera vez en la historia de la pintura rusa antigua, descubrieron la belleza y la poesía del paisaje. El ícono de los años 20-30 del siglo XVII "Juan el Bautista en el desierto" es especialmente exquisito en este sentido. El arte ruso de este siglo es un fenómeno importante, artísticamente sorprendente y controvertido. Completa el período centenario de la Edad Media rusa y se acerca a los problemas de los tiempos modernos.

Los representantes más famosos.

Procopio Chirin

Nicéforo, Nazario, Fedor e Istoma Savina. El mayor, Istoma Savin, fue el pintor de iconos del soberano.

Stepán Aréfiev

Emelyan Moskvitin

Peculiaridades

dibujo virtuoso

Detalles fraccionados y finos

Colores brillantes y claros

Composiciones de varias figuras

panoramas del paisaje

Obras características

Icono "Nikita la guerrera" Procopius Chirin, 1593

Ícono "Juan Bautista en el desierto", años 20-30 del siglo XVII

ARMARIOS

A mediados del siglo XVII, cuando el estado ruso recién fortalecido logró superar las consecuencias de la intervención polaco-sueca, la Armería se convirtió en el centro artístico no solo de Moscú, sino de todo el país. Estaba encabezado por uno de los más gente educada de ese tiempo boyardo B.M. Khitrovo. Las mejores fuerzas artísticas se concentran aquí. Los maestros de la Armería recibieron instrucciones de renovar y volver a pintar las cámaras e iglesias del palacio, pintar iconos y miniaturas. En la Armería había todo un taller de "firmantes", es decir, dibujantes que creaban dibujos para íconos, estandartes de iglesias, estandartes de regimiento, costura y joyería.

Además, la Armería sirvió como una especie de escuela superior de arte. Los artistas vinieron aquí para mejorar sus habilidades. Todas las obras pictóricas estuvieron encabezadas por el rey isógrafo Simon Ushakov(vea abajo). Además de Ushakov, los más importantes de los pintores de iconos de la Armería fueron Kondratiev, Bezmin, Yakov Kazanets, Joseph Vladimirov, Zinoviev, Nikita Pavlovets, Filatov, Fyodor Zubov, Ulanov.

Además de los maestros rusos, los visitantes extranjeros también trabajaron aquí, enriqueciendo de muchas maneras la experiencia creativa de los artistas rusos con nuevas técnicas, nuevas técnicas pictóricas. Aquí, por primera vez, los maestros rusos dominaron la técnica de la pintura al óleo, la pintura sobre tafetán y otras técnicas pictóricas. Aquí, por primera vez, primero invitados extranjeros, y luego maestros rusos, comenzaron a pintar retratos del zar, el patriarca y los boyardos cercanos al zar. Los pintores extranjeros durante muchos años de vida en Rusia se han acostumbrado tanto a la cultura rusa que es difícil separar su trabajo de la historia del arte ruso del siglo XVII.

El método de trabajo conjunto encontró una amplia aplicación en la Armería. Entonces, la composición en muchos íconos fue compuesta por un artista, quien “marcó”, es decir, pintó el ícono; rostros, o "personal" - su parte más importante, escribió otro; "dolichnaya", es decir, ropa y fondo - el tercero; hierba y árboles - el cuarto. Al mismo tiempo, sucedió que maestros de diferentes puntos de vista y gustos artísticos se unieron en un solo trabajo. Esto a menudo conducía a soluciones eclécticas y sin restricciones.

La Armería desempeñó un papel importante en el desarrollo de la pintura y los gráficos rusos en la segunda mitad del siglo XVII, aunque las obras creadas por sus maestros a veces no tienen el mismo mérito artístico y no siempre pueden considerarse exitosas.

Creatividad de Simon Ushakov

Simon Ushakov fue una de las figuras centrales del arte del siglo XVII.
(1626-1686). La trascendencia de este maestro no se limita a las numerosas obras que creó, en las que buscó superar los dogmas artísticos y lograr una imagen veraz, "como sucede en la vida". La evidencia de las opiniones avanzadas de Ushakov está escrita por él, obviamente, en los años 60, "Palabra para el amante de la pintura de iconos". En este tratado, Ushakov aprecia mucho la designación de un artista que es capaz de crear imágenes de "todas las criaturas y cosas inteligentes... para crear estas imágenes con diferente perfección ya través de varias artes para hacer que la intención sea fácilmente visible".

Por encima de todas las “artes que existen en la tierra”, Ushakov considera la pintura, que “porque supera a todos los demás tipos, porque representa el objeto representado con más delicadeza y más vívidamente, transmitiendo todas sus cualidades con mayor claridad ...”.
Ushakov compara la pintura con un espejo que refleja la vida y todos los objetos.

"Una palabra para el amante de la pintura de iconos" fue dedicada por los Ushakov a Joseph Vladimirovich, un pintor de Moscú, nativo de Yaroslavl, que disfrutó de una fama considerable en las décadas de 1940 y 1960. Iosif Vladimirov es autor de un tratado anterior sobre pintura de iconos, en el que, aunque no tan claramente como Ushakov, también se declaraba partidario de las innovaciones y exigía una mayor vitalidad en el arte.

Ushakov - artista, científico, teólogo, maestro - era un hombre nueva era, un nuevo tipo de pensador y creador. Al ser un innovador en el arte, al mismo tiempo comprendió el valor de las antiguas tradiciones de la cultura rusa y las guardó cuidadosamente. Baste recordar su papel en la pintura.
Catedral del Arcángel en 1666. Fue precisamente por estas cualidades, marcadas por una rara amplitud de puntos de vista, que pudo estar a la cabeza del arte ruso durante más de treinta años.

Comprometido en la educación de los estudiantes y tratando de transmitirles sus conocimientos de todas las formas posibles, incluso concibió la publicación de un atlas anatómico detallado. “Teniendo el talento de pintar íconos del Señor Dios... no quería ocultarlo en el suelo... pero traté... de cumplir con la hábil pintura de íconos ese alfabeto del arte, que incluye a todos los miembros del cuerpo humano que se requieren en nuestro arte en varios casos, y decidió tallarlos en tablas de cobre...” Ushakov escribió sobre su plan, pero el atlas, aparentemente, no fue publicado.

Un ejemplo de las primeras obras de Ushakov es la Anunciación con el icono Akathist de 1659, pintado por él junto con otros dos pintores de iconos: Yakov Kazanets y Gavriil Kondratyev. Con la magnificencia de los fondos arquitectónicos y la sutileza en miniatura de la escritura, el icono en muchos aspectos se parece a las obras de los maestros Stroganov de principios del siglo XVII, ilustrando cantos complejos en detalle.

Desde los primeros años de creatividad independiente, se determinó el interés de Ushakov por representar un rostro humano. Su tema favorito es Spas
No hecho a mano. Se han conservado varias imágenes del Salvador de Ushakov: en la colección de la Galería Tretyakov, en el iconostasio de la Catedral de la Trinidad de la Trinidad-Sergius Lavra en Zagorsk, en el Museo Histórico, etc. El más antiguo de estos íconos se remonta a 1657 y se almacena en la Iglesia de la Trinidad de Moscú en
Nikitnikov. Repitiendo persistentemente este tema, el artista se esforzó por deshacerse de los cánones convencionales de la imagen de la pintura de iconos y lograr una tez de color carne, una construcción tridimensional sobria pero claramente expresada y una regularidad de rasgos casi clásica. Es cierto que los íconos del Salvador de Ushakov carecen de la espiritualidad de los íconos rusos de los siglos XIV-XV, pero esto se compensa hasta cierto punto con el sincero esfuerzo del artista por recrear un rostro humano vivo en el ícono de la manera más creíble posible. .

Ushakov pintó un icono de Nuestra Señora de Vladimir, llamado "La Plantación del Árbol del Estado Ruso" (1668). Este ícono debe considerarse una imagen del triunfo del estado ruso. En la parte inferior se representa: el muro del Kremlin de Moscú, detrás de él, la Catedral de la Asunción, el santuario principal del estado ruso. A los pies de la catedral, el príncipe Ivan Kalita, recaudador de tierras rusas, y el metropolita Peter, que fue el primero en trasladar la sede metropolitana de Vladimir a Moscú, plantan el árbol del Estado ruso. En sus ramas hay medallones con retratos de todas las figuras políticas más importantes de la antigua Rusia. En el medallón central, el más grande, hay un icono de Nuestra Señora de Vladimir, venerada como la patrona de Moscú. Abajo, en el muro del Kremlin, están el zar Alexei Mikhailovich y la zarina Maria Ilyinichna con el zarevich Alexei y Fyodor. Los retratos del rey y la reina Ushakov intentaron hacer lo más similar posible.

Se ha conservado información sobre una serie de retratos pintados por Ushakov. Algunos de ellos fueron ejecutados con la técnica de la pintura al óleo, nueva en el antiguo arte ruso. Desafortunadamente, hasta el momento no se ha encontrado ninguno de estos retratos. Sin duda, Ushakov estaba familiarizado con algunos de los fundamentos de la perspectiva. Así lo demuestra no solo la imagen del Kremlin en el icono (“Planting a Tree”), sino también los detallados y cuidadosamente diseñados fondos arquitectónicos de unos grabados realizados sobre cobre a partir de sus dibujos del grabador Athanasius Trukhmensky (“David ”, “Barlaam y Joasaf”).

Para caracterizar la personalidad extremadamente polivalente de Ushakov, cabe señalar que no sólo fue teórico, pintor, dibujante-"firmante", autor de numerosos dibujos para grabados reproducidos por grabadores rusos de la segunda mitad del siglo XVII, pero, al parecer, grabó: se le atribuyen láminas “Patria” (Trinidad) y “Siete pecados capitales” grabadas en los años 60 sobre cobre con aguja seca.

análisis

El género del retrato se convierte en un presagio del arte de la era futura. El retrato - parsuna (de la palabra distorsionada "persona", del latín "regsona", personalidad) - nació a principios de los siglos XVI-XVII. Imágenes de Iván IV del Museo Nacional de Copenhague, Tsar Fyodor Ioannovich, Prince M.V. Skopin-Shuisky todavía está cerca del ícono en términos del método de implementación, pero ya tienen un cierto parecido con el retrato. También hay cambios en el idioma de la imagen. Con toda la ingenuidad de la forma, la linealidad, la estática, la localidad, ya existe, aunque tímidamente, un intento de modelado en blanco y negro.

A mediados del siglo XVII, algunas parsunas fueron realizadas por artistas extranjeros. Se cree que el retrato del patriarca Nikon con el clero pertenece al holandés Wuchters. Los parsuns del mayordomo V. Lyutkin, L. Naryshkin de finales del siglo XVII ya pueden llamarse retratos.

En los antiguos gráficos rusos de esta época, hay muchas escenas y retratos cotidianos. Por ejemplo, el famoso Evangelio del Zar Fyodor Alekseevich de 1678 contiene 1200 miniaturas. Son figuras de pescadores, campesinos, paisajes rurales. En el "Titular" escrito a mano encontramos imágenes de gobernantes rusos y extranjeros. El desarrollo de la imprenta de libros contribuyó al florecimiento del grabado, primero sobre madera y luego sobre metal. El mismo Simon Ushakov participó en el grabado de "La historia de Barlaam y Joasaph" junto con el grabador de la Armería A. Trukhmensky.

pintura al fresco

La pintura al fresco del siglo XVII se puede llamar monumental con una gran reserva. Pintaron mucho, pero diferente que antes. Las imágenes están trituradas y son difíciles de leer desde la distancia. No hay tectónica en los ciclos de frescos del siglo XVII. Los frescos cubren las paredes, pilares, arquitrabes con un patrón continuo, en el que las escenas de género se entrelazan con intrincados ornamentos. El ornamento cubre la arquitectura, las figuras de las personas, sus trajes, los fondos de paisajes surgen de los ritmos ornamentales. El decorativismo es una de las características distintivas de la pintura al fresco del siglo XVII. La segunda característica es la festividad y el interés constante de una persona en su vida diaria, el énfasis en las tramas de la Sagrada Escritura en la belleza de la naturaleza, el trabajo humano, es decir, la vida en toda su diversidad. Ilyina TV no llama vida cotidiana a esta cualidad de la pintura del siglo XVII, como suena a menudo en las obras de arte del siglo XVII. No es un registro aburrido de los detalles de la vida cotidiana, sino el verdadero elemento de la fiesta, la victoria constante sobre lo ordinario: así son los murales del siglo XVII. Los frescos de Yaroslavl del artel Gury Nikitin y Sila Savin o Dmitry Grigoriev (Plekhanov) son el ejemplo más llamativo de esto.

En el siglo XVII, Yaroslavl, una ciudad rica en el Volga, se convirtió en uno de los centros más interesantes no solo de una tormentosa vida social, sino también artística. Los comerciantes y los pueblerinos adinerados construyen y pintan iglesias.

El maestro de la Armería, el ya mencionado Gury Nikitin, en 1679 nominado por Simon Ushakov para el título de maestro "quejado", con un gran artel pintó la Iglesia de Elías el Profeta de Yaroslavl en 1681. En esta pintura, lo más interesante son los frescos ubicados en las paredes y dedicados a la historia de Elías y su discípulo Eliseo. En estos frescos el tema Sagrada Escritura traducido a menudo en una historia fascinante en la que los momentos seculares prevalecen sobre el contenido religioso.

Entonces, en uno de los frescos que representan la curación milagrosa de un niño santo, la escena del milagro en sí se lleva al borde de la composición. El lugar principal lo ocupa la imagen de la cosecha. Se presenta un campo de grano amarillo, en el que segadores con camisas brillantes cosechan y tejen centeno en gavillas con fuertes movimientos de barrido. A lo lejos, en el horizonte, como contra el fondo de un cielo azul, siluetas de árboles de color verde oscuro se alzan solas entre un campo de centeno. Un episodio lateral, cotidiano, que en el correspondiente grabado de la Biblia de Piscator era una pequeña escena en el fondo de la composición, se convirtió en el tema principal del fresco del artista.

Los grabados de la Biblia de Piskator forman la base de muchos frescos en las iglesias de Yaroslavl. Aparentemente, atrajeron a los artistas rusos con la naturaleza secular de sus imágenes. Pero cada vez fueron sometidos a una fuerte alteración, que cambió no solo el significado de lo representado, sino también las técnicas más artísticas. Los artistas rusos desplegaron imágenes en perspectiva de grabados en un avión, lo que le dio al fresco una semejanza con una colorida alfombra decorativa con puntos brillantes distribuidos uniformemente.

En la pintura de las galerías y pórticos de la Iglesia de Elías se pueden encontrar muchos motivos fantásticos y fabulosos. Aquí se desarrollan temas veterotestamentarios y escatológicos, en cuya representación los maestros que los interpretaron, menos relacionados con la finalidad sagrada del templo, revelan una inventiva inagotable. La historia de la creación del mundo y las primeras personas es especialmente entretenida.

Entre los frescos de temas apocalípticos, hay uno que representa al “Ángel del Poder”: “Su rostro es como el sol y sus pies, como columnas de fuego”, dice el Apocalipsis sobre él. El artista representó una figura gigantesca de un ángel, cuyo cuerpo consiste completamente en una nube, en lugar de piernas hay pilares de llamas, y la cara es un sol rojo brillante con rayos que divergen en todas direcciones. Hay muchas imágenes tan audazmente concebidas en los frescos de la galería del templo.

A lo largo de toda la pintura, el tema principal es una historia fascinante sobre un mundo brillante y hermoso, en el que no tanto los santos de mentalidad ascética viven y actúan como la gente común y corriente. Un intento de justificar a una persona sencilla y “terrenal” se expresa con especial claridad en la imagen del Juicio Final, que ocupa el muro occidental del templo. Esto también se reflejó en la predilección del artista por representar a un hombre guapo rodeado de un paisaje igualmente hermoso y una arquitectura rica, y en el hecho de que en estos frescos, con una audacia inusual para el arte antiguo ruso, se da la imagen de un cuerpo desnudo ( “La ramera sobre la bestia”, “La esposa de Pentefry”, “Bañando a Naamán”, “Inmaculada Susana”, “Batsabé”, etc.).

Los frescos del templo Ilyinsky cubren las paredes con una sólida alfombra multicolor. En la búsqueda de la decoración, los artistas suelen tejer los contornos de las figuras en un patrón intrincado; llevados por el ornamento, no solo lo incluyen en la composición de la trama, sino que también crean paneles ornamentales completos.

Los frescos de la iglesia de Ilinskaya están muy cerca no solo en el tiempo, sino también en los temas y la naturaleza de la ejecución de la pintura de la iglesia de San Juan Crisóstomo en Korovniki.

Un poco más tarde que Ilinskaya, en 1694-1695, se pintó la iglesia de Juan Bautista en Tolchkovo. La pintura fue realizada por un grupo de 16 maestros bajo la dirección de Dmitry Grigorievich Plekhanov. Los frescos de esta iglesia son también un monumento destacado de la pintura monumental de Yaroslavl. Sin embargo, encargados por los feligreses, son algo más estrictos que los de Ilyin tanto en la elección de las tramas como en la naturaleza de su interpretación. El lugar principal se le da a la composición sobre el tema "La sabiduría ha construido un templo para sí misma". Los frescos de las paredes están dispuestos en siete filas. Las tres filas superiores están dedicadas a las parábolas de la santa sabiduría, en el medio, ciclo principal, se cuenta la vida de Juan el Bautista. En los frescos de la galería y el porche, muchas imágenes repiten las composiciones ya encontradas por los maestros de Ilyinsky.

Además de estos dos ciclos, a finales del siglo XVII se crearon en Yaroslavl una serie de pinturas menos significativas. Hacia 1691, pertenecen los frescos de la Iglesia de San Nicolás Mokry. Lo más interesante en ellos son las escenas apocalípticas. Mucho menor en sus cualidades artísticas es la pintura de la Iglesia de la Epifanía que data de 1696-1700. La pintura de la Iglesia Fedorovskaya de finales del siglo XVII se parece en muchos aspectos a los frescos de Ilyinsky.

Simultáneamente con Yaroslavl, aparecen varios ciclos de frescos importantes en otras ciudades del centro de Rusia. El ciclo de murales en la Catedral de la Resurrección en Romanov-Borisoglebsk (ahora la ciudad de Tutaev) se remonta a 1680; Los frescos de la Catedral del Monasterio Ipatiev en Kostroma datan de 1685. En 1686-1688, se creó la pintura de la Catedral de Santa Sofía en Vologda. Con suerte, estos frescos en su conjunto son significativamente inferiores a los de Yaroslavl.

Con los frescos de Yaroslavl, solo los murales de las iglesias de Rostov, que a fines del siglo XVII se convirtió en un importante centro artístico, pueden resistir la comparación. Las tres iglesias del Kremlin de Rostov, el Salvador en el Senyakh, la Resurrección y Juan el Teólogo, fueron pintadas por orden del metropolitano de Rostov Jonah Sysoevich en 1675-1680.

Algo más arcaica que el resto es la pintura de la iglesia de San Juan Evangelista. Los frescos del pórtico de esta iglesia, dedicados a la vida del Apóstol Pedro, están diseñados en las antiguas tradiciones de pintura de iconos de Dionisio. En el interior del templo, son especialmente buenos los frescos del altar, combinaciones cromáticas finamente seleccionadas, que forman un conjunto decorativo que destaca por su unidad.

El pórtico de la Iglesia de la Resurrección está decorado con escenas del Apocalipsis. Todo en ellos está construido sobre siluetas rítmicas sutilmente bellas y combinaciones coloridas. En el interior de la iglesia, los frescos están dedicados principalmente a temas evangélicos. Entre ellos destaca por su patetismo la imagen de la Resurrección.

Tiene un carácter majestuoso, solemne y espectacular el cuadro de la Iglesia del Salvador de la entrada (especialmente la enorme composición "El Juicio Final" y las escenas de la "Pasión").

Hay mucha habilidad compositiva y colorismo genuino en los frescos de Rostov. Sin embargo, en términos de su contenido, esta pintura es incomparablemente más arcaica que la pintura de las iglesias de Yaroslavl con sus rasgos de innovación.

Las pinturas seculares nos son más conocidas solo por el testimonio de los contemporáneos, por ejemplo, la pintura del Palacio de Kolomna, fabulosa, como su apariencia, esta es la pintura de la Cámara facetada que nos ha llegado, realizada por Simon Ushakov juntos. con el diácono Klementyev.

En general, según los murales del siglo XVII, me gustaría decir, como uno de los investigadores, V.A. Complemente que una persona en las pinturas de este siglo rara vez aparece como un filósofo contemplativo, las personas en la pintura de este tiempo son muy activas, construyen, luchan, comercian, aran, andan en carruaje ya caballo; todas las escenas son bastante "llenas" y "ruidosas". Esto es típico de ambas iglesias de Moscú (Iglesia de la Trinidad en Nikitniki , pintado en los años 50), y para Rostov y especialmente para Yaroslavl, quienes dejaron maravillosos monumentos de murales del siglo XVII.

CONCLUSIÓN

El propósito de este ensayo fue el análisis de la pintura rusa del siglo XVII.

Se implementaron las siguientes tareas:

Se consideran las escuelas de pintura que se desarrollaron en el siglo XVII;

Se analizan las actividades de la Cámara de Armería.

Cabe señalar que el agravamiento de las contradicciones sociales provocó una diferenciación de clases cada vez más notoria del arte y, en particular, de la pintura. El arte cortesano empieza a jugar un papel decisivo: murales en las estancias palaciegas, retratos, imágenes del árbol genealógico de los zares rusos, etc. Su idea principal era la glorificación del poder real. No menos significativo fue el arte eclesiástico, que predicaba la grandeza de la jerarquía eclesiástica.

La pintura de la primera mitad del siglo XVII se liberó en gran medida del complejo simbolismo característico del siglo XVI, las composiciones se volvieron más simples y vitales; desarrollan una narrativa, aunque todavía simple y, a veces, incluso ingenua. Sin embargo, los íconos y miniaturas de esta época generalmente no van más allá de la vieja tradición.

El auge de la cultura y el arte comienza recién a mediados del siglo XVII, cuando Rusia superó las consecuencias de la intervención sueco-polaca. Durante estos años, la Cámara de la Armería se convirtió en el principal centro artístico del estado ruso, en el que trabajaron maestros rusos y extranjeros.

Así, a pesar de toda la inconsistencia del desarrollo de las artes visuales del siglo XVII, su principal contenido fue el surgimiento de nuevas formas de realismo. Es cierto que los elementos individuales de la percepción realista se pueden ver mucho antes. Esto se evidencia claramente en toda la historia anterior del arte ruso antiguo. Pero recién en el siglo XVII se formó más o menos claramente la idea de que la tarea de la pintura es reflejar la realidad. Gracias a esto, la gama de tramas se expande sin precedentes, los paisajes se incluyen en composiciones religiosas junto con escenas cotidianas, se desarrollan motivos arquitectónicos, se intenta transmitir la individualidad de una persona, representar un cuerpo desnudo.

En conclusión, me gustaría decir que el mérito del arte del siglo XVII fue que, por primera vez en Rusia, trató de hablar de una persona simple, "terrenal". Sin embargo, sus limitaciones históricas se manifiestan en el hecho de que las observaciones realistas dispersas no han constituido aún un nuevo método creativo, un nuevo acercamiento del artista a la realidad. Esta fue la tarea histórica del arte del siglo siguiente.

LISTA DE LITERATURA UTILIZADA

1. Historia del arte ruso: en 3 volúmenes: Vol. 1: Arte del X - primera mitad del siglo XIX. - 3ra ed., rev. y adicional - M.: Imagen. arte, 1991.

2. Minaev E.P. Ensayos sobre la historia de la cultura de la patria (siglos IX-XX). M, 2000.

3. Cultura artística y estética de la antigua Rusia de los siglos XI-XVII. METRO.,
1996.

4. Ilyina TV Historia del Arte. Arte doméstico. - 3ra ed., rev. y adicional - M.: "Escuela Superior", 2000.

Historia del arte ruso: en 3 volúmenes: Vol. 1: Arte de la X - la primera mitad del siglo XIX. - 3ra ed., rev. y adicional - M.: Imagen. arte, 1991. - 508 p.

Minaev EP Ensayos sobre la historia de la cultura de la patria (siglos IX-XX). M., 2000. - 71-72 págs.

Historia del arte ruso: en 3 volúmenes: Vol. 1: Arte de la X - la primera mitad del siglo XIX. - 3ra ed., rev. y adicional - M.: Imagen. arte, 1991. - 510 p.

Cultura artística y estética de la antigua Rusia en los siglos XI-XVII. METRO.,
1996. - S. 314

Ilyina TV Historia del Arte. Arte doméstico. - 3ra ed., rev. y adicional - M .: "Escuela Superior", 2000. - 84-85 p.

Ilyina TV Historia del Arte. Arte doméstico. - 3ra ed., rev. y adicional - M .: "Escuela Superior", 2000. - 83-84 p.

En la historia del arte ruso, el siglo XVII fue un período de lucha entre dos escuelas de pintura y la formación de nuevos géneros. La Iglesia ortodoxa todavía tenía una gran influencia en la vida cultural del hombre. Los artistas también experimentaron algunas restricciones en sus actividades.

pintura de iconos

Durante la Baja Edad Media, el centro de concentración en Rusia de artistas y artesanos fue el Kremlin, o más bien la Armería. Allí trabajaron los mejores maestros de la arquitectura, la pintura y otras formas de creatividad.

A pesar del rápido desarrollo del arte en toda Europa, la pintura en Rusia en el siglo XVII tenía un solo género: la pintura de iconos. Los artistas se vieron obligados a crear bajo la atenta supervisión de la iglesia, que se opuso firmemente a cualquier innovación. La pintura rusa de iconos se formó bajo la influencia de las tradiciones pictóricas de Bizancio y en ese momento tenía claramente formados cánones.

La pintura, como la cultura en Rusia en el siglo XVII, era bastante autónoma y se desarrolló muy lentamente. Sin embargo, un evento condujo a una reforma completa del género de la pintura de iconos. En un incendio en 1547 en Moscú, se quemaron muchos íconos antiguos. Era necesario restaurar lo perdido. Y en el proceso, el principal escollo fue la disputa sobre la naturaleza de los rostros de los santos. Las opiniones estaban divididas, los seguidores de las antiguas tradiciones creían que las imágenes debían seguir siendo simbólicas. Mientras que los artistas de visiones más modernas estaban a favor de dar más realismo a los santos y mártires.

Dividido en dos escuelas

Como resultado, la pintura en Rusia en el siglo XVII se dividió en dos campos. El primero incluyó representantes de la escuela "Godunov" (en nombre de Boris Godunov). Intentaron revivir las tradiciones de pintura de iconos de Andrei Rublev y otros maestros medievales.

Estos maestros trabajaban por encargo de la corte real y representaban el lado oficial del arte. Los rasgos característicos de esta escuela fueron los rostros canónicos de los santos, imágenes simplificadas de una multitud de personas en forma de muchas cabezas, tonos dorados, rojos y azul verdosos. Al mismo tiempo, se pueden notar los intentos de los artistas por transmitir la materialidad de algunos objetos. La escuela Godunov es mejor conocida por sus pinturas murales en las cámaras del Kremlin, en la Catedral Smolensky, la Catedral de la Trinidad.

La escuela opuesta fue "Stroganov". El nombre está asociado con los comerciantes Stroganovs, para quienes se hicieron la mayoría de los pedidos y quienes actuaron como "patrocinadores" en el desarrollo de la pintura en Rusia en el siglo XVII. Fue gracias a los maestros de esta escuela que comenzó el rápido desarrollo del arte. Fueron los primeros en hacer íconos en miniatura para las oraciones en el hogar. Esto contribuyó a su difusión entre los ciudadanos comunes.

Los maestros de Stroganov fueron cada vez más más allá de los cánones de la iglesia y comenzaron a prestar atención a los detalles del entorno, la apariencia de los santos. Y así el paisaje comenzó a desarrollarse lentamente. Sus iconos eran coloridos y decorativos, y la interpretación de los personajes bíblicos se acercaba más a las imágenes de personas reales. Las obras más famosas que se conservan son los íconos "Nikita the Warrior", "John the Baptist".

frescos de yaroslavl

Un monumento único en la historia de la pintura del siglo XVII en Rusia son los frescos de la Iglesia del Profeta Elías en Yaroslavl, en los que trabajaron los artistas de la Armería. Una característica de estos frescos son escenas de la vida real que prevalecen sobre las historias bíblicas. Por ejemplo, en la escena de la curación, la parte principal de la composición está ocupada por la imagen de los campesinos durante la cosecha. Fue la primera imagen monumental del género doméstico.

Entre estos frescos se pueden encontrar escenas fabulosas y mitológicas. Sorprenden con sus colores brillantes y su compleja arquitectura.

Simón Ushakov

Personas significativas aparecen en cada etapa del desarrollo cultural del país. La persona que promovió la pintura en Rusia en el siglo XVII en una nueva dirección y contribuyó a su liberación parcial de la ideología religiosa fue Simon Ushakov.

No solo fue un pintor de la corte, sino también un científico, un maestro, un teólogo, un hombre de amplios puntos de vista. Simon estaba fascinado por el arte occidental. En particular, estaba interesado en la representación realista del rostro humano. Esto se ve claramente en su obra "El Salvador no hecho por manos".

Ushakov fue un innovador. Fue el primer artista ruso en utilizar pintura al óleo. Gracias a él comenzó a desarrollarse el arte del grabado sobre cobre. Siendo el artista principal de la Armería durante treinta años, escribió muchos iconos, grabados y varios tratados. Entre ellos se encuentra "Palabras a un amante de la pintura de iconos", en el que esboza sus pensamientos que el artista debe, como un espejo, mostrar con veracidad. el mundo. Siguió esto en sus escritos y lo enseñó a sus alumnos. En sus notas hay referencias a un atlas anatómico, que quiso escribir e ilustrar con grabados. Pero, al parecer, no se publicó o no se conservó. El principal mérito del maestro es que sentó las bases para el retrato del siglo XVII en Rusia.

Parsuna

Después de importantes transformaciones en la pintura de iconos, el género del retrato comenzó a tomar forma. Al principio, se realizó en el estilo de pintura de iconos y se llamó "parsuna" (del latín - persona, personalidad). Los artistas están trabajando cada vez más con la naturaleza viva, y los párrocos se están volviendo más realistas, las caras en ellos están ganando volumen.

Los retratos de Boris Godunov, los zares Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, las zarinas Evdokia Lopukhina, Praskovya Saltykova se pintaron en este estilo.

Se sabe que en la corte también trabajaron artistas extranjeros. También contribuyeron en gran medida a la evolución de la pintura rusa.

gráficos de libros

La imprenta también llegó bastante tarde a tierras rusas. Sin embargo, en paralelo con su desarrollo, los grabados, que se utilizaron como ilustraciones, también ganaron popularidad. Las imágenes eran tanto de carácter religioso como doméstico. El libro en miniatura de ese período se distingue por una ornamentación compleja, letras decorativas y también se encuentran imágenes de retratos. Los maestros de la escuela Stroganov hicieron una gran contribución al desarrollo de las miniaturas de libros.

La pintura en Rusia en el siglo XVII pasó de ser muy espiritual a ser más secular y cercana a la gente. A pesar de la oposición de los líderes de la iglesia, los artistas defendieron su derecho a crear en el género del realismo.

Un rasgo característico de la cultura rusa del siglo XVII. fue su secularización, o secularización. Estos procesos afectaron a todas las esferas de la cultura, incluyendo la arquitectura, la pintura y el canto de iglesia. En el campo de la arquitectura, el estilo de la tienda, así como el llamado "estilo Narishkin", ganaron popularidad. En el campo de la pintura, la pintura de iconos fue reemplazando gradualmente al parsun y al retrato. La creatividad artística se hizo cada vez más secular. Y en el campo del canto de iglesia, se introdujeron las partes - canto polifónico, más vivo e interesante. Aprenderás más sobre todo esto en esta lección.

Arroz. 2. Torre Spasskaya del Kremlin de Moscú ()

En ese tiempo valor más alto tenía arquitectura de iglesia.La Iglesia de la Trinidad en Nikitniki (Fig. 3) con cinco carpas, construida en el medioXVIIen. Dichos templos se construyeron en ciudades rusas hasta la primera mitad del siglo XVIII.

Arroz. 3. Templo de la Trinidad en Nikitniki ()

Un fenómeno interesante de la arquitectura de la iglesia de la primera mitad.XVIIen. había una fascinación por las tiendas de campaña de piedra. Este elemento en la construcción de iglesias de piedra provino de la madera. La carpa de madera era muy cómoda. Pero, desde el punto de vista del Patriarca Nikon (Fig. 4), este fue el elemento equivocado en la construcción de iglesias. Esto fue visto como una secularización de la Iglesia, el uso de elementos seculares en la construcción de iglesias. La Iglesia de la Natividad de la Virgen en Putinki (Fig. 5) es el último templo construido en Moscú, coronado con carpas.

Arroz. 4. Patriarca Nikon ()

Arroz. 5. Iglesia de la Natividad de la Virgen en Putinki ()

En el finalXVII en. en Rusia, se observó un fenómeno completamente nuevo en la arquitectura de la iglesia: el llamado "estilo Narishkin". La Iglesia de la Intercesión en Fili (Fig. 6), construida en este estilo, difiere notablemente de la Trinidad en Nikitniki. En tal templo, una persona se siente en el centro, justo debajo de la cúpula. Indirectamente, estos fueron ecos de la idea del Renacimiento, que llegó a Rusia en el siglo XVII: “El hombre es el centro del Universo y la medida de todas las cosas”. A pesar de que esta idea no se escuchó abiertamente en Rusia, las formas arquitectónicas de esta idea llegaron al país a fines del siglo XVII.

Arroz. 6. Templo de la Intercesión en Fili ()

En la mayor medida, el "estilo Narishkin" se reflejó en otro templo: la Iglesia del Signo en Dubrovitsy (Fig. 7). Era la finca del maestro de Pedro I - Boris Golitsyn. El templo estaba rematado con una corona, que era un elemento del barroco de la época. Además, en la escalinata de entrada principal de este templo se puede encontrar un reflejo de la idea de escalera diseñada por Miguel Ángel en Florencia en una biblioteca de principios del siglo XVI.

Arroz. 7. Iglesia del Signo en Dubrovitsy ()

Así, a finales del siglo XVII. manifestó cada vez más claramente la conexión del estado de Moscú con los procesos arquitectónicos europeos.

InnovacionesXVIIen. en Rusia penetró al mismo tiempo en la pintura. Esto se aplica principalmente a la iconografía.

Alrededor de la forma de pintar íconos de S. Ushakov, quien pintó el ícono "El Salvador no hecho a mano" (Fig. 8), se desarrolló una controversia. Ushakov creía que era necesario escribir los rostros de los santos de manera diferente a como lo hacían antes. Era necesario, según Simon, mostrar el volumen de iconos. Toda esta similitud real de los iconos con rostros humanos provocó la resistencia de los tradicionalistas. El Arcipreste Avvakum (Fig. 9) atacó estas innovaciones en la pintura de iconos. Esta controversia refleja los nuevos fenómenos que existieron en la pintura de iconos rusa en la segunda mitad del siglo XVII.

Arroz. 8. Ícono "Salvador no hecho a mano" por S. Ushakov ()

Arroz. 9. Arcipreste Avvakum ()

Otro elemento de la pintura en Rusia.XVIIen. había frescos, pintura sobre yeso. Un ejemplo son los frescos en la Iglesia de Yaroslavl de Elijah the Prophet (Fig. 10) del pintor de iconos F. Zubov. Según los cánones, era necesario representar el nacimiento de un santo en el centro y en el fondo, el resto de los detalles. Sin embargo, el pintor de íconos usa el nacimiento de Elijah the Prophet solo como una excusa para representar el proceso de cosecha. Es decir, el pintor de iconos no está tan interesado en la trama religiosa como en la oportunidad de representar la vida.

Arroz. 10. Frescos de la Iglesia de Yaroslavl de Elijah the Prophet F. Zubov ()

Un nuevo fenómeno en la pintura.XVII siglo fue la aparición de parsuna - una forma de pintura de transición entre la pintura de iconos y la forma secular de pintura. El párroco representaba personajes específicos con rasgos individuales. Sin embargo, todavía tenía una imagen plana, como en la pintura de iconos. Ejemplos de esto son M.V. Skopin-Shuisky (Fig. 11) y el párroco del Zar Fedor Alekseevich (Fig. 12).

Arroz. 11. Parsuna M.V. Skopin-Shuisky ()

Arroz. 12. Parsuna del Zar Fedor Alekseevich ()

Así, los elementos de la vida enXVIIen. comenzó a penetrar en la iconografía. Y desde el finalXVIIsiglo, puede utilizar las palabras "pintura de iconos" y "pintura" como sinónimos.

En el finalXVIIen. parsuna en Rusia se desarrolló bajo la notable influencia del retrato polaco Sármata. La cultura de la nobleza de la Commonwealth de esa época se llamaba "cultura sármata". Un ejemplo de un retrato sármata polaco es el retrato de Jerzy Ossolinsky (Fig. 13), y un ejemplo de un retrato ruso es el retrato del Príncipe Repnin (Fig. 14).

Arroz. 13. Retrato de Jerzy Ossolinsky ()

Arroz. 14. Retrato del príncipe Repnin ()

El canto de la iglesia también ha sufrido cambios. Para reemplazar los himnos tradicionales de la iglesia.XVI- primera mitadXVIIen. de Ucrania y la Commonwealth surgió un nuevo estilo de interpretación, que se denominó partes - polifonía. Fue una interpretación más animada y vívida de los himnos de la iglesia. Cuando los tradicionalistas criticaron esta innovación de la iglesia, el metropolitano Simeón de Smolensk dijo que sería aburrido para la gente estar en la iglesia sin partes. Este fue un ejemplo de una nueva actitud más secular hacia la iglesia. Los elementos de la nueva cultura, que penetraron en Rusia desde Occidente en ese momento, proporcionaron entretenimiento e interés en ellos y tenían derecho a existir, incluso si esto no estaba cubierto por la autoridad de las autoridades eclesiásticas.

Cambios en la cultura y la vida de Rusia en el siglo XVII. muestran un giro general de la cultura de la Edad Media a la cultura de la Nueva Era. Los historiadores definen este límite de diferentes maneras. Unos lo buscan en el siglo XVII, otros lo asocian a la época petrina. Estas disputas son apropiadas, ya que los historiadores enfrentan un proceso complejo y multifacético.

Cultura de Rusia en el siglo XVII. seguía siendo tradicional en su esencia. Pero las innovaciones, perceptibles en todas sus áreas, prepararon cambios más decisivos y cardinales en la era petrina.

Bibliografía

1. Baranov P.A., Vovina V.G. etc. Historia de Rusia. Séptimo grado. - M.: "Ventana-Conde", 2013.
2. Danilov A.A., Kosulina L.G. historia rusa. Séptimo grado. Finales del siglo XVI - XVIII. - M.: "Ilustración", 2012.
3. Historia del arte ruso y soviético / Ed. D. V. Sarabyanova. - M.: Escuela superior, 1979.
4. Lisovsky V. G. arquitectura rusa. La búsqueda de un estilo nacional. - M.: Bely Gorod, 2009.
5. Pilyavsky V.A., Slavina T.A., Tetas A.A., Ushakov Yu.S., Zaushkevich G.V., Savelyev Yu.R. Historia de la arquitectura rusa / Ed. N. N. Dneprov, G. G. Yatsevich. - 2ª ed., añadir. y reelaborar. - San Petersburgo: Stroyizdat San Petersburgo, 1994.
6. Cultura artística y estética de la antigua Rusia en los siglos XI-XVII. -M., 1996.

1. bioarchivo().
2. Historia812.narod.ru ().
3. Archirusia.com ().
4. Arte19.info().

Tarea

1. ¿Qué hay de nuevo en la arquitectura rusa en el siglo XVII? ¿Qué elementos en la construcción de iglesias fueron transferidos de lo secular?
2. Describe los cambios en la pintura rusa en el siglo XVII.
3. Describe un nuevo tipo de canto en la iglesia en Rusia en el siglo XVII. - partes.